爵士群像
[table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家英雄救美, 获得威望2.[/url][/font][/td][/tr][/table][color=Red][b]这组油彩到此为止了，如果大家有什么补充的欢迎加入！
但是拒绝爵士外的回帖，望谅解！[/b][/color]
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[color=DarkRed][b]Duke Ellington[/b][/color]
人称「艾灵顿公爵」的Duke Ellington原名爱德华.甘乃迪.艾灵顿(Edward Kennedy Ellington)，1899年生于华盛顿特区，他出身于一个富裕的中产阶级家庭，7岁开始弹奏钢琴，15岁时曾经在冷饮店打工赚点小钱，这时他谱写出第一首曲子，名叫(Soda Fountain Rag)，艾灵顿公爵的少年时期正是散拍乐大为流行的时代，散拍乐是一种由切分节奏构成的音乐，在钢琴上演奏起来，就像是左手跟右手打架一样，非常有趣而且富有活力，在艾灵顿公爵早期作品里经常可以听到散拍音乐的痕迹。
艾灵顿公爵崛起的契机，源于他和他的乐团从1927年开始，在纽约哈林区的棉花俱乐部演出，那段时期他们录制了数十张精彩的唱片，但更重要的是，他们的演出经由现场电台转播到全国，在经济大萧条的年代，艾灵顿公爵的音乐受到全国听众广大的欢迎，也奠定了他日后成为最著名的爵士大乐团领导者的基础。
艾灵顿公爵虽然是钢琴家，但他作曲时却是用整个乐团的角度来思考的，他能够充分地运用各种乐器不同的音色，来组织成一首整体演奏时富有和谐感，独奏部分却又非常杰出的曲子，在排练的过程中，艾灵顿公爵会针对不同乐手演奏时的特性，给予他们特殊的指示，或为他们谱写能够让他们充分发挥特长的乐段，因此艾灵顿公爵所领导的乐团之中，几个特别优秀的乐手，如小号手Bubber Miley、竖笛手Barney Bigard，以及最知名的中音萨克斯风手Johnny Hodges，都留下了许多精彩的录音，成为爵士史上大乐团演奏的典范。这套《The Okeh Ellington》正是艾灵顿公爵早期的代表作，新一代的乐迷可以从中一窥爵士乐发展的早期，这种大乐团的编制为何能风靡一时的迷人风采。，
[[i] 本帖最后由 天下一家 于 2008-7-15 19:18 编辑 [/i]] [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在路边踩到粪便, 慌忙中不见了威望1.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Keith Jarrett[/b][/color]
Keith Jarrett1945年出生于潘尼斯拉维亚州的Allentown，那里很少有机会听到爵士乐，他早年流露出的惊人天赋，使得自己将自己定位于古典音乐演奏。实际上，在少年时期，Jarrett有一段去巴黎跟随Nadia Boulanger学习的经历，这次机会使得他下决心转向爵士演奏生涯。Nadia Boulanger是一位具有世界范围声誉的著名教育家，象美国作曲家Aron Copland、Roger Sessions都受过其的教诲。
1964年，Keith Jarrett来到纽约，当时要想进入爵士乐界是极端困难的事。期间有一次机会，某天在前卫村的夜晚演出过后，Art Blakey有意雇佣Jarrett，不过当时只是个口头约定后来并没有兑现。直到一个在波士顿的与Lioyd乐团合作演出合同才将Jarrett正式领进圈子。这个乐团作为一个整体取得了巨大的成功，然而Jarrett还是很快地脱颖而出。对该乐团演出的评论回顾一致指出Jarrett很多才多艺，与鼓手Jack Dejohnette之间配合是乐队最令人感兴趣的地方。1969年，由于报酬分配上的不公平，Jarrett和Dejohnette离开了这个乐团。
随后，Keith Jarrett与Charlie Haden、Paul Motian组成三重奏。1967年这个三重奏以Keith Jarrett的名义录了第一张专辑《Life Between The Exit Signs》，这张专辑受到评论界一致肯定。但是Jarrett接下来的步伐让人出乎意料，他加入了Miles Davis的乐队，尝试着将Jazz、Funk、Rock三者结合起来。但除了《Live-Evil》以外，并没留下太多这方面的录音。
离开Miles Davis的乐团以后，Jarrett开始追求独奏和乐队领导的生涯。三重奏由于增添了一位成员Dewey Redman变成了四重奏，更名为American Quartet，录制了首张专辑《Expectations》，这张专辑意味着Jarrett作为音乐家和作曲家时代的来临。这个团体在音乐方面的取向受到Ornette Coleman、John Coltrane、Cecil Tylor的Avant-Garde风格的影响。
1971年，keith Jarrett开始与Manfred Eicher建立的德国唱片品牌ECM合作。1970年他录制的专辑《Facing You》显示出Jarrett作为独奏钢琴手能力，而且这张专辑给予他继续进行钢琴独奏的信心。从开始的第一张独奏钢琴专辑到1995年的Milan独奏音乐会，Jarrett的即兴独奏音乐会吸引了大量现场观众和唱片购买者。1975的《Koln Concert》是所有时期最为畅销的独奏钢琴专辑，为Jarrett建立了相当的声誉。
1970年，Keith Jarrett又建立起了一个European Quartet，由自己和萨克斯手Jan Gabarek、贝司手Palle Danielson、鼓手Jon Christensen组成，这个组合持续到1979年，录制的唱片被视为当代爵士中的经典之作。其中《Nude Ants》和《the Luminous Personal Moutains》两张现场专辑尤为出色。
八九十年代，继续出版独奏专辑，包括《Book Of Ways》、《Invocations/The Moth and The Flame》、《Vienna Concert》、《La Scala》等等，八十年代末Jarrett得了慢性疲劳综合症，使得他不能长时间的演奏，由于独奏音乐会演奏精神和体力高度紧张的活，为了保护他的健康演出计划也取消了，Keith Jarrett的独奏巡演基本一去不返了。
KEITH JARRETT，ECM中的最重量级大师，《THE KOLN CONCERT》，ECM经典中的经典，爵士乐历史上最著名的钢琴独奏作品。是爵士音乐史上的一个奇迹，是即兴作曲/钢琴独奏的永恒经典，几乎达到了一个不可企及的高度。
1975年1月24日，在科隆歌剧院，KEITH JARRETT举行了独奏音乐会，音乐会的录音构成了《THE KOLN CONCERT》的内容：2首独奏作品，第一首26分钟；第二首分为三段，总长度40分钟。
JARRETT是美国人，但他的音乐却是欧洲化的，于60年代崛起后，他至今仍活跃在爵士乐界，这位钢琴狂人，一生的作品主要分为三个部分：
1、四重奏。在70年代早期他同时和三个美国人、三个欧洲人组成两个四重奏，前者以前卫爵士为特征，后者则是完全欧洲化的自由爵士。
2、独奏。KEITH JARRETT的独奏，通常是没有任何谱子的即兴发挥，上台就弹，根据自己的感觉和情绪弹到哪算哪，而每次独奏音乐会上的作品都不相同，因为他每次都是即兴发挥，下了台弹过什幺也许连他自己都不清楚了。
3、古典。KEITH JARRETT曾经录制了一大堆古典钢琴作品，有时还心血来潮地去弹古钢琴，也不知道他在想什幺，总之他弹亨德尔和巴赫在古典音乐圈里也是数得上号的。
[[i] 本帖最后由 天下一家 于 2008-7-6 13:43 编辑 [/i]] [attach]16634[/attach]
[color=DarkRed][b]Wes Montgomery[/b][/color]
吉他手Wes Montgomery可说是爵士音乐史上最伟大的吉他手，他所生存的年代刚好让他衔接由Swing及Bebop传承下来的爵士语汇，并于其后的Hardbop及Postbop中发扬光大。现在屈指可数的爵士吉他大师中，没受到他影响的可说是零！从Jim Hall、George Bensen、Pat Metheny、John Scofield 、Mike Stern、John Abercrombie、Lee Ritenour……，到更年轻的Mark Whitfield、Russell Malone等等，放眼每个人的演奏中，皆有Wes的踪迹，因为他们都曾于他的音乐上下过一番苦功，如果你喜欢以上的吉他手，那幺更应该专注在他们的音乐导师—Wes Montgomery上。
基本上Wes可说是一位Blues Player，因为您很难把Blues从吉他这种乐器上移开，因为吉他与蓝调之间的关系与历史实在太紧密了！这些例证我们可以于之后的采谱中明确看到。Wes还有一项绝招，就是他不用pick弹吉他，而改用右手之大拇指，如此不但能产生他特殊的八度线条，在运用Charlie Christian风格的和弦式旋律（Chord-Melody）即兴时，也自成一家之言，各位可以听听他对原来比较〝可爱〞的《Satin Doll》的处理，便能明了为什幺吉他手们要花一辈子的时间来钻研他了。而他的作曲《West Coast Blues》、《Four On Six》、《S.O.S.》、《O.G.D.》及经典曲处理版本如《Unit 7》、《Body & Soul》、《Airegin》等早已然变成爵士音乐家的Standards了。
最令人佩服的，还是他彷佛是天籁的优美旋律，他真的是少数可以于快速或复杂的和弦进中找出歌唱性线条的爵士音乐家之一，相信有些经验的朋友们一定可以体会，在学完和弦进行后于即兴时该如何让色彩清楚却又避免生硬，其实是非常难的，而Wes就是这幺一位天使般的人物，因为他完全不会读谱！所有的音符都是由他的耳朵及心灵反应至手指上的，对于一位一辈子为生活奔波所苦的好人来说，这似乎就是上天所赐给他的馈赠吧！也正因为如此，非但吉他手，其它乐器的乐手也都向他借创意，并学习他演奏的组织架构。而他的风格也融合了Bebop的原则线条，八度的奏法亦很难跑快，但却更能凸显出音符与音符之间相对关系的重要性。因此所有乐器的爵士学习者皆应花时间好好研究一番.
[[i] 本帖最后由 天下一家 于 2008-7-6 13:43 编辑 [/i]] [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家买了一部二手iPod, 花了堡币28元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Bud Powell[/b][/color]
似乎天才本身就是悲剧的同义字，尤其在Jazz似乎更能够印证这一点。Charlie Parker、Clifford Brown、Paul Chambers、Eric Dolphy等无数的天才乐手几乎都是英年早逝。有些是疾病缠身，有些无法抗拒毒品的诱惑，更可惜的是那些死于意外，使我们在回顾一世纪爵士音乐的同时，总有一丝遗憾。
Bud Powell（巴德‧波尔）就是那些悲剧故事的主角之一，虽然如今已经被公认是Bebop的钢琴始祖，但留下的录音却是少得可怜，且几乎有大半都是最近几年（1980年以后），才被唱片公司从档案柜里头拿出来首度发行。显然Bud Powell本人在他的一生之中（1924～1966）并未得到太多的认同与掌声。集精神病、酗酒、毒瘾问题于一身的Bud，几乎有大半的时间都是在精神病院里度过的。只有在些微短暂得以控制的情况下，才能够听到他那澎湃汹涌的演奏。大部份的时候，你听到的像是一个饱受痛苦、无意识，徘徊的流浪汉呻吟之声。
Bud Powell 于1924年生于纽约市，七岁起开始接受古典的钢琴训练，十三岁时接触了爵士乐后便迷上了它，十五岁时便从高中辍学，并开始他的职业演生涯。Bud早期的演奏风格受天才钢琴手Art Tatum的影响甚钜，从他的录音可听到在中板速度的演奏曲目之中，他采用非常多的Tatum式的快速装饰间奏。从认识了钢琴怪杰Thelonious Monk之后，便经常随着Monk到52街的酒吧和Bebop的发源地Minton’s House去观摩学习，也因此使得他得以接触到Bebop大师Charlie Parker、Dizzy Gillespie的现代爵士乐。从此以后，Bud便以Parker为学习对象。而Bud在小时候所接受的正统音乐的训练，使得他有足够的技巧将Parker式的快速奇特乐句融入他的钢琴演奏之中。这种旋律线条极为铿锵有力，而且能够绵延不绝的Bebop式弹奏法，使得Bud成为1940年代第一个Bebop钢琴手，没有任何人能够弹奏出比他更快速有力，而且具结构性的即兴乐句。这种弹奏钢琴像是在吹奏萨克斯风的即兴演奏，令人不禁联想起另一位钢琴大师Earl Hines，在1920年代末期将Louis Armstrong小号式的即兴乐句融合钢琴演奏之中。二者（Bud和Earl）都可以说是开启钢琴即兴演奏的新风格，Earl Hines为Swing的始祖，而Bud Powell则是Bebop的先锋。
就在Bud Powell开始要展露锋芒，掀起革命的同时，他并未忘记提携他进入现代爵士领域的Monk，在Bud加入Cootie Williams的乐队时，便极力说服Williams为Monk的作品「Round Midnight」作了第一次的历史性录音。后来Bud在他所属的乐队之中，也陆陆续续录制了Monk的其它作品。而Monk本人非但没有嫉妒Bud的成就（Monk是第一位在Bebop大本营Minton’s House的钢琴手，但他的弹奏风格却终没有受到Bebop的影响），反而还为Bud作了一首曲子「In Walked Bud」由此可见二人亦师亦友的情谊相当地深厚。
可是好景不常，自1942年以后Bud的精神病情开始不稳定，进而影响到他的演奏生涯，甚至他演奏的水准。他断断续续地为Blue Note、Verve，还有一些小厂牌的唱片公司录音约十来张。资料不甚多，且演出的品质好坏相差甚钜，这和他那时而清醒、时而意识全失的精神状态有相当的关联。制作人是否能够常握他的情况，往往决定录音的品质。这时期1947～1958之间较好的录音包括Blue Note唱片公司所发行的系列「The Amazing Bud Powell」及OJC公司在1953年发行的「Jazz At Massey Hall」的现场录音。1959年时的Bud的健康情形有显着地改善，这时候，他也转往欧洲去发展，大部份时候都停留在法国，直到1964年才回去美国。这个时期和法国贝斯手Pierre Michelot以及另一位来自美国著名的鼓手Kenny Clark（Clark也是最早在Minton's House演奏的Bebop鼓手）合组的三重奏，可以说是Bud合作最久的乐队。贝斯手也是Bebop大师的Ray Brown（Ray Brown曾经在1990年来台演出）曾经对Bud的演出赞叹不己，在聆听过一场法国Blue Note俱乐部的现场表演之后，Brown说：「我曾经和Bud在52街以及派克（Parker）的乐团共事过，但他从来没有弹得像今晚这样好。」著名歌手Carmen McRae也曾说过：「Bud是一个终极的艺术家，假如你『真正』听到他的演奏的话。」这时期所灌录的唱片，品质都相当不错。尤其在哥伦比亚唱片录制的二张专辑「A Portrait of Thelonious」、「A Tribute To Cannonball」更可以聆听到水准之上的演奏，另外为Steeplechase公司所录制一系列的现场演奏「Live at the Golden Circle」也相当不错。
Bud Powell在1964年从欧洲返回美国，因健康状况开始恶化，并未留下任何作品。最后这位一代钢琴宗师终于在1966年7月31日死于他的故乡，享年仅仅四十一岁。
[[i] 本帖最后由 天下一家 于 2008-7-6 13:44 编辑 [/i]] [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家开车的时候, 一张纸条飞进驾驶舱, 仔细一看才发现原来是支票堡币10元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Charlie Parker[/b][/color]
1920年出生的Charlie Parker是爵士史上最伟大的中音萨克斯风手，更是爵士史上最才气纵横的萨克斯风手，绰号Bird的Charlie Parker也是对整个爵士乐发展造成决定性影响的乐手。在他担任领班期间，旗下更包括了年轻的Miles Davis等众多后来的大师乐手，在咆勃爵士乐史上他与钢琴手Bud Powell、小号手Dizzy Gillespie三人被公认为咆勃爵士的领导先驱。Charlie Parker的吹奏技巧无与伦比，无论在小编制当中的引领乐句转折，或是在堪萨斯市Big Band俱乐部里光芒四射的独奏桥段，不管Parker再怎么吸毒、饮酒狂欢、放纵声色，只要他含起萨克斯风吹口，吹奏出的每一段旋律都是空前绝后般地惊才绝艳。与小号手Dizzy Gillespie并肩齐步飙奏时，节奏速度彷佛达到非人的「魔鬼」境界。将精力与天赋同时放在毒品的火焰中两头燃烧的Parker死时才卅五岁，医生检验他的身体时却觉得像是六十五岁的苍老躯体。他的影响无远弗届，Miles Davis晚年曾说：「如果没有Parker，今天的爵士乐听起来将完全不同。」，诚如斯言。
出身堪萨斯城一个破碎家庭中，由母亲独力抚养长大，小时候查理帕克就热爱音乐，据说他14、5岁时很喜欢上台演奏，可是萨克斯风吹的不好，常被听众和乐手嘲笑，于是潜心苦练，几年之后，还不到20岁，他已经成为堪萨斯最好的中音萨克斯风手手，接着他前往纽约在俱乐部里演奏，收工之后会到著名的爵士俱乐部明顿玩具屋和其它新派乐手一同切磋，咆勃(Bebop)的概念就在这里逐渐发展，当时新派爵士音乐大多由小型乐团演奏，音乐形式的弹性较大，也更方便这些改革派进行实验。
音乐上来说，咆勃的节奏比较具有弹性，旋律的进行常采用不协调的和声，即兴演奏的重要性也增加了，态度上乐手则意识到自己是严肃的音乐人，不再是歌唱跳舞的伴奏，也让广大的听众体认爵士乐其实是崇高的文化艺术，我们可以说现代爵士乐的起源就是从咆勃开始，咆勃不能说是由单独的哪一个人发明，而是由多位音乐家一起贡献心智逐步发展出来，但要说贡献最大，真正将这许多革新概念具体表现出来的，还是要算查理帕克。
帕克在纽约的演奏轰动了整个爵士乐界，他的演奏技巧极为高超，当年他和晕眩葛拉斯比即兴应答全速狂飙的时候，所有人都听傻了，不敢相信世上有这样的超人，在他之后十多年，几乎没有任何爵士乐手能逃脱他的影响，评论家曾如此形容帕克的地位：「他走入爵士乐界，就像是踏入一个满是镜子的房间，每一个乐手都反映出他的一小部分。」
就在帕克的技巧与创作能力登上高峰的时候，他吸毒酗酒的恶习也日趋严重，终其一生都未能戒除，对他的健康造成极大伤害，绰号「小鸟」的帕克1955年刚结束在鸟园(Birdland)的演出(这个爵士乐俱乐部是因他而命名的)，就以35岁之龄病逝纽约，检查的医生认为他身体衰老的程度远远超过实际年龄，帕克逝世，对当时的爵士乐迷来说是无可弥补的巨大损失，消息传出，一些悲痛的乐迷在纽约四处贴标语、喷漆，讲的都是同一句话：「小鸟为吾辈而死！」，对他们来说，帕克的音乐是和耶稣基督一样崇高的救赎。 [attach]16644[/attach]
[color=DarkRed][b]Miles Davis[/b][/color]
若说爵士乐坛最传奇的小号手是迈尔戴维斯(Miles Davis)，应该没有人会举手反对。六、七十年代，迈尔戴维斯几乎就是爵士乐坛的标竿人物，他的音乐只要一问世，就成为乐手崇拜追随的对象，形成一种爵士风潮。
1945年的Miles Davis正值十九岁的青春年华阶段，他与一般人一样在学校读书(JULIA SCHOOL茱莉亚音乐院)，但他与一般人不同之处，就在于此时的他已经与爵士乐Be Bop大师Charlie Parker同台，录下这张专辑的第一首歌「Now''''''''s The Time」，这首曲子的珍贵程度可见一般，除了一方面是Miles Davis的初放爵士光芒之作，另一方面则是这时正是音乐禁令的限制刚过，所有的爵士乐手就像出了笼子的老虎，极尽所能的发挥。而专辑的最后一首歌「Portia」是Miles Davis在60岁时所灌录的(1986)，这时的他虽然已经到了一个音乐演奏家的残年阶段，但似乎不甘愿就此放弃他的音乐生涯，仍致力于Harmon-Muted(用于小号上面的弱音器)的音色发展，将传统的乐器加上了电子合成乐器。
“我喜欢新鲜的东西，始终抱着每天学习的心情。对于那些走不出自己框框的乐手，我深深感到悲哀。”这就是迈尔戴维斯，一位永远追求新音乐，走在时代前端的爵士巨星。他的音乐尽管多变，他的性格始终神秘，但是对爵士乐执着的心，以及不断颠覆自我的理念，却是数年来坚持如一，这样一位爵士乐大师，相信再过七十年之后，受到乐迷怀念的程度一样会如同今日深厚，不会有丝毫减损。
作为小号手，Miles是一位非常有旋律性的独奏者，与Count Basie、Thelonious Monk一样在即兴旋律的构造上很严谨，善于自我克制。他的许多即兴独奏给人一种事先仔细加工过的印象。其次在演奏中，Miles非常擅长使用休止，有时会故意漏过一些节拍不演奏，让鼓和贝司的声音跳出来，这是种很特殊的、很戏剧化的演奏技巧。六十年代Miles Davis通过使用哈蒙弱音器，形成了一种自己特有的纤弱、精致小号音色，这种音色在1963年的专辑《Seven Steps to Heaven》以及1959年的专辑《Kind of Blue》中得以充分得体现。
虽然Miles Davis在大多数的人印象中基本是位小号演奏家，但他作为一名乐队领导者和作曲家来讲可能更具影响力一些。现代爵士史的大部分潮流和风格的兴起都与Miles Davis领导下的乐队相关。实际上，Miles Davis是具有里程碑性质的几张专辑录音的乐队领导者。如1949年的专辑《The Birth of Cool》，对西海岸风格的形成起到很大影响；1959年专辑《Kind of Blue》，标志着调式爵士的诞生；1969年的专辑《In a Silent Way》和《Bitches Brew》，对爵士和摇滚的Fusion（融合）产生重要影响。
虽说这些成果不能完全归功于Miles Davis个人，不过他确实称得上是一位最好的监工，许多现代爵士风格潮流的出现，总是与他领导的乐队有关。Miles始终那么具有开拓性，使得乐迷们都无法完整地了解他音乐生涯各个阶段的活动，不同时期Miles的音乐风格会大相径庭。Miles Davis始终睁大着双眼，在关键时刻，为他自己的乐队选择具有开拓精神的作曲家、编曲家和乐手。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家开车的时候, 一张纸条飞进驾驶舱, 仔细一看才发现原来是支票堡币32元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]John Coltrane[/b][/color]
五六十年代出现了一位这样的杰出人物：John Coltrane（1926-1967）。无论作为萨克斯演奏家、作曲家和乐队领导者，他对六十至八十年代的爵士乐都产生深远的影响。他引入爵士的即兴演奏观念为钢琴手、小号手、吉他手以及萨克斯手所学习吸收。
五十年代初期，Coltrane还不为公众所知，但他在1955年与Miles Davis的合作录音中已经形成了自己十分强力的演奏风格，到他1967年去世为止其风格还在不断开拓发展过程中。Coltrane的音色粗砺、尖锐、巨大而厚重。许多萨克斯手演奏时在高音区会音色变薄、低音区时又会不清晰和不够敏捷。而Coltrane的音色在任何音区始终都是饱满和有穿透力的。此外，他的演奏充满紧迫感，音乐听上去也十分严肃，几乎就没有一丝的幽默。纵观其音乐生涯，他的唱片显示了一种一贯的力量和灵感，即使在大师中间也是很少见的。与Charlie Parker并称，Coltrane是最具一贯性和演奏激烈的那类爵士独奏者。
五十年代中期以后，John Coltrane与Sonny Rollins成为纽约最抢手的硬波普风格次中音萨克斯演奏家。1957年他出现在21张重要的唱片录音中，与Thelonious Monk一起进行了短暂而富有有成果的合作。同年他回到费城，戒掉了吸食海洛因的毒瘾，开始拓展其个人风格（John Coltrane后来提到《A Love Supreme》这张专辑就是指一种精神上的觉醒），而且组建其经典的四重奏演奏形式。在一家名为the Red Rooster的俱乐部，他发掘了钢琴手Mccoy Tyner和贝司手Jimmy Garrison。
在为Prestige公司录制了几张专辑以后，Coltrane转签Atlantic唱片公司。1959年，他录下了《Giant Step》专辑，这是张非常受欢迎的经典之作，不过它提出了一个问题：硬波普再往前该如何发展？Coltrane知道答案，在完成与Miles Davis的第二轮合作以后，他组建了由Mccoy Tyner、Jimmy Garrison、Elvin Jones和自己组成的最着名的四重奏。从此爵士乐揭开新的一幕。
六十年代的社会问题意味着Coltrane音乐上的革新被看作是黑人反抗的先声而大受欢迎，大量地录制和推向市场。1961年，Coltrane从Atlantic公司转到Impulse公司，推出了一系列令人惊愕的作品，其中包括大多数Coltrane里程碑式的专辑，还有部分六十年代中期Coltrane实验性的作品。在1961年至1967年之间，Coltrane制作的专辑成为现代爵士的奠基之作。出于商业方面的考虑，Impulse公司对Coltrane的作品总是推迟出版，看过他现场演出的乐迷们对其音乐上的发展变化之大十分震惊。Coltrane在《A love Supreme》专辑中的演奏与现场相比要催眠和平静好多，然而还能称得上是经典。
之后，Coltrane的作品变得越来越野性。由于对新领域的无休止的追逐探索，导致乐队的解散。Rashied Ali代替了Elvin Jones，Alice Coltrane取代了Mccoy Tyner，Coltrane对新的萨克斯手尤为感兴趣，在专辑《Ascension》中，他给予Archie Shepp、Pharoah Sanders、Marion Brown和John Tchicai许多演奏空间。Eric Dolphy的演奏风格与Coltrane有很大不同，但他在六十年代早期却频繁作为Coltrane四重奏的一位客座乐手，并和Coltrane于1961年一块巡演。1967的《Interstellar Space》双重奏专辑，Coltrane的次中音萨克斯与Rashied Ali的鼓激烈鏖战，为后人发展提供了一个十分诱人的新暗示。
1967年Coltrane的去世使得先锋爵士失去了一位精神上的父亲。七十年代Fusion爵士商业性的成功使得他的光芒有些黯淡，八十年代传统爵士的复兴又使得Coltrane硬波普时期的作品大受关注。尽管Coltrane一再强调年轻的萨克斯手们不要学他，但是他死后其风格反而成了一种主流。从Michael Brecker的伯克利学校音乐风格到欧洲的Jan Garbarek，甚至像Andy Sheppard这样的新秀要建立起自己的观众群都找不到其它更好的演奏方式。不过，Coltrane的音乐确实有很大的听众群，尤其在年轻的摇滚乐迷中也十分受欢迎。毫无疑问，Coltrane确实是一位真正的爵士乐使者，他的音乐来自于其内心深处，很少有爵士乐音乐家能达到那样登峰造极的境界，拥有其超凡脱俗的乐器演奏技巧。
有许多的爵士乐评认为『鸟园现场演奏专辑』是由约翰˙柯川与钢琴手麦考伊．泰纳、鼓手艾文．琼斯、贝斯手吉米．盖瑞生为班底所组成的四重奏所共同完成最伟大的爵士现场演奏专辑。原专辑中收录了5首该团于1963年10-11月之间在位于纽约百老汇街2745号著名的『鸟园』(Birdland)所作的历史性演出。其中不仅有形而上精神意味浓厚的"Afro Blue"经典演奏，也有像"I Want To Talk About You"在柯川中晚期中较少见，绝对动听的慢板几近独白的情歌(尤以乐曲后半段的萨克斯风独奏最精彩)。"The Promise"里可以听到柯川如失落灵魂般的召唤，也可欣赏到麦考伊．泰纳个人技巧的表现。"Your Lady"虽然已萨克斯风为主奏，却也能感受较平均地展现了四位团员间密切的互动与坚强的演奏实力，为专辑做了完美的结尾。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家徒步爬到16楼为异性客户送便当,得小费威望2[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Dizzy Gillespie[/b][/color]
1942年，Dizzy和Charlie Parker加入Earl Hines 的大乐队，这是第一个表演BeBop的乐队，之后歌手 Billy Eckstine 跳出来自组乐队，Dizzy and Bird 加上Sarah Vaughan全部跟着转台。1944年，Dizzy 参加由 Coleman Hawkins 主导的演奏，此场音乐会使得BeBop乐风正式成形。
1945年，Dizzy 终于有了自己的五重奏乐队，并且和 Charlie Parker 到处表演与录制唱片，他们的 BeBop新乐风在美国东岸受到大众的肯定与支持，模仿者到处都是，但他们去到美国西岸表演时，观众的反应却是十分冷淡。
1917年出生的Dizzy Gillespie 迪吉·葛拉斯彼，本名John Birks Gillespie，他的艺名Dizzy是「晕悬」的意思，而他也的确是一位令人目瞪口呆头晕目眩的演奏大师，极端高速的长段即兴独奏，精湛的和声与节奏素养，永远笑容满面，永远乐于指导提携后进，甚至于他向上翘起45度的小号和演奏时两颊鼓起如牛蛙的特异景致，对许多喜爱他音乐的人来说，都成了爵士乐的精神象征。
葛拉斯彼早期出道江湖的时候在一些演奏摇摆乐的大乐团里担任小号手，但他一直希望建构出自己的音乐体系，据说当年他在Cab Callaway的卡拉威大乐团任职的时候，常在练习时试验他的创新和声观念而遭到团长痛斥，尽管如此，葛拉斯彼仍然渐渐地将他的理论架构完整，在与其它杰出的爵士乐手如萨克斯风手Charlie Parker查理帕克等人的合作之下，爵士乐最重要的一次革命性变革，也就是Bebop咆勃爵士，终于诞生，葛拉斯彼和帕克被称为咆勃爵士的开山始祖，对当代爵士乐的影响无比深远。
葛拉斯彼对古巴和非洲音乐中的节奏有精深的研究，也就是他将这些不同的节奏元素引进爵士乐中，并且加以发扬光大，从他所创作的曲子如〈Night In Turnisia〉之中，可以听出他丰富的节奏感。 葛拉斯彼提携指导了许多日后的大师，包括Miles Davis迈尔士戴维斯，Clifford Brown克里夫布朗等人，戴维斯回忆说:「当年我向Dizzy请教和弦问题，他走到钢琴旁边，一遍遍的示范给我看。
葛拉斯彼是技巧最高超的几位小号演奏家之一，他与帕克合作的专辑《Bird & Diz》里,这两位不世出的奇才，在交叉追逐彼此应答的独奏中，飚出令人难以想象的快速即兴乐句,和弦、节奏极端复杂，却又精准无比，超人般的演奏能力，令人叹为观止。
Dizzy Gillespie就是对Bop爵士乐有最大贡献的人之一，Dizzy Gillespie 是 Be-bop爵士乐风的宗师，是拉丁爵士的创始者，是位兼具喇叭手、编曲、乐队经理及歌手等多重身分于一身的爵士乐界巨人，也是由于他和许多乐手的努力，使得爵士乐有传统的纽奥尔良风格以及摇摆乐之外，爵士乐也是可以有更多不同的前景。
风趣的个性和特征鼓胀的双颊向上倾斜30度角的小号，是 Dizzy的正字标记。吹奏时，经常很轻易的让两个脸颊曾肿胀到像牛蛙一样。关于他的特殊乐乐器造型的故事是，1953年，在一次表演中，有个舞者不小心跌倒，意外地将Dizzy的小号压弯了，Dizzy却神色从容地拿起弯曲的小号继续吹奏，他觉得着把小号的音色更优，之后他还特别定做一支这样独特造型的小喇叭。
家境清寒，父亲是个业余乐手。家中有九个孩子，父亲将不同的乐器介绍给每个孩子，他是最小的一个。12岁时他先学伸缩喇叭后才改学小号。1935年，Gillespie 离开学校，来到费城加入Frank Fairfax乐团，别人开始用 Dizzy这个绰号称呼他。20岁时加入Teddy Hill的乐队，在Teddy Hill的乐队取代另一位小号手 Roy Eldridge 。21岁时加入Cab Calloway的大乐团，这个环境对他有很大的帮助。在Cab Calloway的大乐团时有更多表现的机会，也在这个时候他对Afro-Cuban jazz有了兴趣。 他是个个性活泼乐观的人，在舞台上和私底下皆是如此。
从大乐团起步 Dizzy Gillespie也和他那个时期的乐手一样是从大乐队开始的，也是由于这层关系让Dizzy得以有机会向Louis Armstrong及Roy Eldridge等前辈学习。1940年在堪萨斯城遇见Charlie Parker ，这是他的音乐生命中最关键的一件事。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家真是好人啊,帮助公安抓贼, 获得奖金堡币31元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Lee Morgan[/b][/color]
在Lee Morgan去世36年后的今天，再度回顾他潇洒的一生实在让人不胜唏嘘，在此我们省略介绍Lee 18岁之前的学习情况，直接把他的成名作拿来当开场白吧！
英国爵士乐专属公司BLUE NOTE创社至今最空前卖座的专辑是那一张你知道吗﹖是「THE SIDEWINDER」，小喇叭手Lee Morgan于1963年12月的录音室作品，这张专辑才一发售马上就轰动整个英国，而1964年12月时还荣登美国Billboard杂志最佳唱片第25名的佳绩。当然，在美国获得好成绩之后，克莱斯勒当时发行的新车也跟着大卖，因为克莱斯勒用「The Sidewinder」做为电视广告的配乐。也许你会觉得有这样的成绩不算什么，但是当你知道这是一位才26岁的年青人所作的曲子时，可能会对此成绩感到惊奇。
虽然爵士乐史上也曾不止一次有过这样的情况（Charlie Parker第一张重要作品录音时才21岁），但是对于一位14岁才开始学吹奏小喇叭的人来说，18岁就在Blue Note录个人第一张专辑，26岁就能一举成名，你能不说是奇迹般天才吗﹖1956年18岁的Lee Morgan即被当时仍在风行的Big Band主将Dizzy Gillespie拔擢，Dizzy爱才如命，对于Lee Morgan的能力给予力捧，因此在「突尼西亚之夜」专辑中让他有发挥的空间，Dizzy特别写了多段独奏的部份让Lee Morgan表现。
1958年，20岁的Lee Morgan加入Art Blakey的爵士使者乐团（The Jazz Messengers），就如大家所知道的，JM的顶尖期为1958年～61年和1963年～65年2个阶段，Lee Morgan适时的加入，有如虎添翼一般的助Art Blakey一臂之力。当然，在强力背景支持下，Lee Morgan也发展他自己的演奏事业。1965年到1967年之间，Lee Morgan也特别的参与唱片的制作，（其中一部为「God bless the child），之后就突然中断一阵时间。就如Art Blakey说过的「摇滚唱片难以诱惑人，纯粹爵士走的的也难以持继」60年代后半实在是爵士乐界的苦难期。许多爵士乐手纷纷改头换面，Miles Davis转换口味成Fusion、John Coltrane也在这时候离大家而去。
在这个苦境连连的时代，Lee Morgan四重奏于1969年成立，他的团员兴奋的说；「Lee的演奏太棒了！尤其是和他一起排练的时候，真是快乐极了。」也许没有人知道，这时的Lee Morgan正在和毒瘾做对抗，只不过表现出来的依然是他不变的明亮性格。这段时间；Lee Morgan四重奏团到纽约、底特律、芝加哥、费城（其实已经包括大半个美国东部），一直到西海岸的旧金山、洛杉矶，他们把Lee Morgan Hard Bop带到美国各地。
1970年7月10日（Lee Morgan 32岁生日）一直到24日，Lee Morgan四重奏团在洛杉矶近郊的「Light house」演出，「我们游戏于快乐的海、空气与轻松的气氛之中。」在去年发行的「THE SIDEWINDER/LIVE」之中就可以听到，这个在Lighthous的实况演出录音，为Lee Morgan四重奏的第一个现场，可能还不够成熟吧！广播员在团员介绍时，这些弟兄们还有点嬉笑怒骂，在这群伙伴中有一位年仅14岁的黑人长笛少女Helen More也在其中，（她是Morgan力捧的新秀，但也因此擦出火花）。
「Helen生下来就是要供献自己的才华的，尤其是她的烹调，属于最高级的。」Lee Morgan从毒瘾中救出来的也是Helen More。1971年9月Lee Morgan在Blue Note录下「Lee Morgan」专辑，这也是他的最后一张专辑录音（这张录音中的曲子为Bille Haper（tenor Sax）原作），在团员方面则有了大更动，不过这张录音可以算是Hard Bop小喇叭的最巅峰杰作。
半年之后悲剧发生了：1972年2月Lee Morgan于纽约的East Side「Slags」做演出，演奏会结束后已经非常晚了，Helen More到「Slags」找Lee Morgan，为了一点男女情事对Lee吃醋，因为已经累积很久，不懂事的Helen在情急之下居然拿出枪来对Lee的左胸开枪……19日凌晨2点，由于心脏被子弹贯穿，送到医院时Lee Morgan已经气绝身亡。悲剧发生前两天，Lee Morgan还在录音室为新作录音，这么一颗子弹，让这张唱片的发行成了永恒。
﹙注﹚命案现场Jazz Club「Slags」于66年开幕，事件之后就关闭至今，由于地点为嬉皮族的地盘，为了保护自己，深夜时间女性出入一定要随身携带防身器，Helen去找Lee时带枪是正常的，会对Lee开枪可以想象是一位带枪到危险场所找人的单纯事件，开枪则是年纪小不懂事造成的后果。「我要杀死你！」这是Lee Morgan在世时最后听到的一句话，本来以为Helen只是开玩笑唬一唬，没想到居然成悲剧。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在音乐堡贩卖军火, 拽拽的赚到佣金堡币49元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Thelonious Monk[/b][/color]
1917年Thelonious Monk出生于北卡罗莱纳州的洛基山。五岁时，Monk全家搬到纽约，一年以后开始学习钢琴演奏，十一岁时开始接受正规的钢琴教育。在高中时期他的物理和数学比较出色，有时也在教堂演奏管风琴。三十年代后期，他与一个福音乐团巡演，随后开始在俱乐部演奏，1941年至1942年间，他加入了Kenny Clarke的乐队任钢琴手，在敏顿俱乐部演出。1943年至1945年Monk在Coleman Hawkins的六重奏待过，1946年又加入Dizzy Gillespie的大乐队，1947年他开始领导自己的乐团。Coleman Hawkins为他提供了首次录音的机会，细心的人可以发现在乐曲“Flyin’ Hawk”中有Monk的一段精彩的独奏。然而，直到1947年Blue Note的一组唱片发行才使他成为众所周知的人物。
这组唱片中Art Blakey任鼓手，使得节奏非常有感染力，和声复杂而吸引人，再加上Monk独一无二的不和协音演奏和节奏感，更为其增添魅力。这些唱片可以称得上是那十年间的精华之作。“’Round Midnight”很快就成为非常流行的曲子，其它的像“Ruby My Dear”，“Well You Needn’t”，“In Walked Bud”也成为爵士乐经典之作。Monk演奏钢琴时手指是平直放的，这是被学院派钢琴家所不齿的，但他言简意赅的风格是故意追求一种现代的感觉，而不是说没能力像Art Tatum或Oscar Peterson一样流畅地演奏。对Monk来讲，没有欧洲浪漫主义音乐的影响，他用Blues也能表现足够的浪漫；不用过热的Bebop来演奏也能表达激情。他的即兴演奏机智、简洁和发人深思。
1951年一项捏造的藏毒罪名使得Monk被剥夺了在纽约的演出执照，而且随后六年现场演出的被禁几乎毁掉了他音乐生涯。由于河岸唱片公司的支持，他能找到志同道合的乐手一起合作，有时是以他的名义，有时也作为像Miles Davis、Sonny Rollins和Clark Terry等的客座乐手参与录音。1957年重新获得演出许可后，Monk召集了一个强力的五重奏固定在Five Spot俱乐部演出，成员还包括鼓手Shadow Wilson、贝司手Wilbur Ware和萨克斯手John Coltrane。Coltrane经常声称其在这个乐团的短暂停留时期使他获益匪浅。尽管从没有录制现场专辑，John Coltrane和Monk合作的录音室专辑也称得上是经典。Monk为了报答Coleman Hawkins早期的知遇之恩，在这些专辑中也力邀其加入，历史和未来终于因Monk而握手，以前被认为演奏太出格的Monk，其音乐生涯终于开始起步了。
1957年，Monk与Gerry Mulligan一起合作录音，使得他被更多的观众所认识。与古典作曲家Hall Overton的合作使他的演奏管弦乐化（1959年在Town Hall的现场演出）。1961年他第一次巡演欧洲，1964年又去了日本，六十年代初期，Monk组建了一个稳定的四重奏，成员有次中音Charlie Rouse、贝司John Ore、鼓手Frankie Dunlop。乐评认为他和其他萨克斯手的合作要更为出色些，如Harold Land、Johnny Griffin，但是他们忽视了实际上只有Charlie Rouse才真正理解Monk的曲风，他也许算不上是位伟大的独奏者，但他粗砺、生硬的演奏恰好像手套一样契合Monk的曲子。
七十年代早期，他和Pat Patrick以及儿子T.S.Monk合作，病痛开始限制其活动能力。但1971-1972年间他还是和Giant Of Jazz一起巡演，1974年还率领自己的大乐队参与了新港爵士音乐节。1971年他为黑狮唱片公司录了两张专辑《Something In Blue》和《The Man I Love》，都是三重奏的作品，贝司手是Al Mckibbon，鼓手为Art Blakey。这是两张Monk的最佳专辑，充分展现了鼓手和钢琴手之间出神亲密的合作。1982年，Monk死于中风，之前六年他没有于任何公众场合演奏。
Monk的影响在八十年代开始逐渐地增强，Buell Neidlinger组织一个乐团，弦乐化的爵士，只演奏Monk和Ellington的作品；Steve Lacy,在六十年代早期也是有一段时期只演奏Monk的曲子；而且还有一系列向其致敬的专辑，如Arthur Blythe的《Light Blue》、Anthony Braxton的《Six Monk’s Compositions》、Paul Motian的《Monk In Motian》、Hal Wilner的《That’s The Way I Feel Now》等等。
Monk具有一种独一无二的能力，能将精致、令人惊讶的和声转接以及古怪的节奏融进疯克味十足的Riff中，他的作品实际上比其他人的更有穿透力，对爵士乐来讲，这是种最高的赞扬。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家看到路边的乞丐, 施舍了堡币8元给乞丐.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Art Blakey[/b][/color]
Art Blakey可以算是爵士乐史上最重要的鼓手，他是hard bop硬派爵士乐的先驱和精神领袖。他具有的非凡技艺除外，更重要的是他带领很多乐手，造就了一批爵士的爱好者和爵士艺人，他同时是许多乐手的重要指导者和合作者。Art Blakey不论是在大乐队或是小的团体，他都有很好的表现。
童年时的Art Blakey受到过钢琴方面的训练，也曾经为了生活当过煤矿工作的童工，后來也与许多人组成乐队在酒吧里演奏谋生，但是因为Art Blakey是不懂得看乐谱的，但这件事被团员们知道之后，Art Blakey被強迫放弃钢琴，而开始成为一位鼓手。事实上他演奏鼓純粹都是自学成材，只不过方法上有其独到之处。他选择了一些著名鼓手的音乐，细细体味，认真揣摩，奇克·韦伯和西德·凯特莱持的音乐是他最好的音乐老师。
Art Blakey对于非洲音乐的节奏有极大的兴趣，他还在1949年亲自造访非洲。他爱上了非洲音乐和伊斯兰教，最終他改变了自己的信仰，改信默罕莫德，並为自己起了一个穆斯林的名字，叫做布海纳。他击鼓的速度运用十分巧妙，非常擅长于运用大鼓与鼓缘的敲打所造成音色上的变化，他的打鼓好像雷击，而且力道強劲，他吸取了一些非洲音乐的演奏技法，这包括了叩击鼓的边缘，在手鼓上用肘部敲击以改变音高。他另外一项知名的技法就是每秒和四次击后都戏剧性地关闭踩钹。
1943年和 1944年他效力于 Fletcher Henderson的管弦乐队，並同他们一道去南方做巡回演出。1954年 Art Blakey与钢琴手 Horace Silver組成一个五重奏，其中还包括年轻的天才小号手Clifford Brown，由于演出得到很好的回应，因此他決定让乐团成为永久性的团体，前后长达近 40年的時間，他将乐团命名为Jazz Messengers。
Jazz Messengers被公认为hard bop爵士乐队的原型和典范，他们演奏的音乐以活泼的BLUES为基础，同时加入了大量活跃的，令人兴奋的 bop音乐素材。 从五十年代到九十年代，Jazz Messengers乐队基本上是 Blue Note 唱片公司录音，但 Impulse 唱片公司也是其合作者之一。Art Blakey一直活跃在爵士舞台上，使人们几乎认为他是永远存在的。最终他在1990年去世。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家不小心在路边拣到一个破信封, 发现里面原来有堡币10元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Clifford Brown[/b][/color]
Clifford Brown 生卒年月日：1930年10月30日. 又是一个天嫉英才的故事， 当Clifford Borwn在1956年因车祸意外丧生时，才年仅25岁，这位被誉为“天纵英才”的小号手手,擅长即兴演出.居然有如此悲剧性的人生结局，更加为他传奇的经历，涂抹上迷蒙凄美的色彩。
Clifford Brown，最优异之处在于不管你丢什么给他即兴，他都能照样清清楚楚地，把和弦交代清楚、把旋律线表达出来，让听众感觉十分舒服顺耳，他最著名的代表作《Joy Spring》，也早已成为爵士乐经典曲。在Brownie短暂的生命中，他曾录制过两次《Joy Spring》，较早的一次于1954年七月与Zoot Sims等人合作的「Jazz Immortal : Clifford Brown」（Pacific Jazz CDP 7 46850 2）中出现，甚至是不同调性的（降E调开始），而更传世的版本，即是与他的好搭档们鼓手暨团长Max Roach、萨克斯风手Harold Land、钢琴手Richie Powell，以及贝斯手George Morrow等于一个月后录制的，收录于「Clifford Brown And Max Roach」（EmArcy 814 645-2）专辑中。 [attach]16895[/attach]
[color=DarkRed][b]Lester Young[/b][/color]
Lester Young和Coleman Hawkins同一时期的伟大萨克斯风手，他们彼此风格回异，不过他们都是众多学萨克斯风的人想要模仿的对象，在John Coltrane成名之前，Lester Young 是最受重视的萨克斯风手。他的乐音绵密，音质甜美，结尾总是缓慢而充满感性的语句，虽然早期的音乐生涯，他的萨克斯风被批评为太柔弱，但时间证明他可以在乐坛里占有重要的地位。
他出生于一个音乐家庭，父亲是乐队的领班，童年时期在纽奥尔良度过，小的时候学过小提琴、小号和鼓，13岁时学吹萨克斯风。1927年时，有一次父亲想要带兄妹三人到南美旅行表演，却被Lester Young拒绝，于是他离开家庭，而是和Art Bronson的Bostonians 乐队去表演。1929年短暂的回到父亲的乐团演奏。
1930年时在Walter Page的Blue Devils乐队演奏。1931年加入Eddie Barefield 的乐队。1932-33年加入Blue Devils 乐团。1934年加入Count Basie的大乐团，不久之后加入Fletcher Henderson的乐团，在这里取代Coleman Hawkins的位置，但是也只有三个半月的时间。1936年时再度加入Count Basie的大乐团，也开始和传奇的女歌手Billie Holiday有一连串的演出，也有很多经典专辑的录音。1944年时加入美国陆军服役，服役的生活切断了音乐生涯，入伍对他是很不愉快的经验，因此藉由抽大麻来解苦闷，但却被因此被军事法庭判刑16个月。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在皇后街摔了一跤, 身上不见了威望2.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Cannonball Adderly[/b][/color]
从现代人的角度去评价Cannonball Adderley(“加农炮”·阿德雷)，恐怕每个对爵士乐有些了解的人都会说，他是一位举足轻重的中音萨克斯演奏家。但事实上，假若没有Charlie Parker在1955年的逝世，恐怕Cannonball也不会那么早成名。
从小就开始学萨克斯的“加农炮”中学时代就开始了爵士乐的演奏，在经过一些舞会和学校演出的洗礼之后，渐渐成为了当地小有名气的萨克斯手，不少当地乐队在难以寻觅或懒得寻找中音萨克斯的时候，便会找上门来让他帮忙，时间一长，他也认识了不少朋友，其中一位就是后来让他走上职业乐手之路的Eddie Vinson(艾迪·文森)。
1955年初，“加农炮”去到纽约，顺便探访在那里的艾迪·文森。他们在当地著名的波希米亚咖啡馆聊天时，艾迪将Charlie Parker(查理·派克)逝世的消息告诉了他，觉得他和“菜鸟”(Charlie Parker的外号)的演奏风格有很多相似之处，如果能在纽约找到一支合适的乐队帮助演奏，可能会有很好的发展前景。
没过几天，“加农炮”又一次来到了波希米亚咖啡馆，不过这次不是和朋友闲聊天，而是参与到Oscar Pettiford(奥斯卡·派迪福得)乐队的演出当中，恰好当时Savoy唱片的工作人员也在场，一下子就被他深情的演奏所打动，并发现了他同“菜鸟”在音乐上的相似之处以及因这相似而埋藏的商业潜质。
随即，“加农炮”顺利的同Savoy唱片签约，与自己的弟弟Nat Adderley(耐特·阿德雷)组建了一支五重奏组合，并于6天后(6月 26日)开始录制首张唱片《The Adderleys: Cannonball & Nat》，直到1975年解散前，他们共同录制了5张唱片。这几个人用富于变化的节奏将五张唱片连同这两年间的演出化作了美好的回忆，送给了所有失去“菜鸟”的纽约市民。但当中最为经典的还是这张《Julian "Cannonball" Adderley》，它不仅是这支五重奏最受欢迎的唱片，而且他们用这张唱片告诉了所有仅仅把他们当作“菜鸟”继承者的人，自己的音乐不只是“菜鸟”接班人这么简单，在“菜鸟”之外，他们还拥有欢快。
于是，你能在《Willows》(柳叶飘飘)中听到速度缓慢却没有丝毫停滞与拖泥带水的演奏；能在《Everglade》(沼泽)欢快的旋律中看见到走在危险的沼泽中仍具备的那份乐观主义；能在《Purple Shades》(紫色的荫凉)中品尝夏日炎炎时坐在树阴下那份悠闲自得的惬意；还能在《Rose Room》(玫瑰粉屋)体察出“加农炮”在音乐上如同数学家一样，能够用清晰的思维将变调和层次运用的得心应手。
他最独到的地方还不是缓慢中的优雅旋律，而是他音乐中的故事性，譬如《Cynthia's in Love》借用了月光女神的形象表现了“加农炮”对纯洁感情的理解，这种纯洁不光流露于用优美旋律所叙述的故事之中，更重要的是你能从中体会到我们年轻时经常降临在身旁的忧伤，它时而淡雅，时而深邃。
还有《Fallen Feathers》(飘落的羽毛)所展示的一根羽毛在天空与地面间行走时的命运，以及《Hurricane Connie》(康尼旋风)的急促描绘了龙卷风来临时人们慌慌张张的场面。
在离开弟弟的五重奏之后，他又找到了新的合作伙伴，此人并非刚刚崭露头角下一代，而是大名鼎鼎的Miles Davis(迈尔斯·戴维斯)，在其盛情邀请下，加入了他的六重奏，当中除了迈尔斯·戴维斯之外，还有后来与Free Jazz(自由爵士)息息相关的John Coltrane(约翰·坷川)。并分别于1958年和1959 录制了绝对经典的《Milestones》和《Kind of Blue》。
纵然如此，作为一个有自己想法和自由意识的音乐家，配角终归不是一个属于自己的角色，于是他毅然离开了迈尔斯·戴维斯的乐队，再一次找到自己的弟弟，组建了一支新的五人乐队。59年，两兄弟同钢琴家Bobby Timmons(鲍比·迪蒙斯)合作录制了《This Here》(这儿)。也许这是“加农炮”在他的音乐历程中最出色的一张唱片，但这张唱片发行的同时，也意味着他从那时起进入了Hard Bop(硬波普)时期，音乐从此变得硬朗，再也难以寻觅到初期时优美。
从那时到1963年，乐队一直同Riverside(河畔)公司合作，因此这段时间在历史上也被成为“河畔时期”，在此期间，“加农炮”演奏的硬波普带有强烈的灵魂氛围。而在河岸唱片公司时代结束之后，他们同Capitol(国会大厦)签订了新的合同。这时的“加农炮”所表现出的更多的是对唱片公司的讨好以及对商业的迎合。这种讨好和迎合体现在他演奏乐器由中音到高音的转变，以及对旋律长度的重视和乡村爵士节奏与电声乐器的使用。
可这样的好时光并没能让他长时间的享受，在音乐还留有很多遗憾的1975年，因酒后中风死亡。从创新的角度上来讲，他后期的作品确实奠定了60年代Soul Jazz(灵魂爵士)的音乐基础。但真正吹到大家心坎儿里的，恐怕还是早期那些优美的旋律，毕竟在演绎生涯的最后几年，他又重新演奏早期的作品，开始了对过往的怀念。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家参加论坛辩论大赛, 获得威望3.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Sonny Rollins[/b][/color]
Sonny Rollins，原名Theodore Walter Rollins， 1930年9月7日出生于美国纽约。以黑人来说，他的家境算是不错，他的哥哥学小提琴，他则从9岁开始学钢琴。尽管如此，他似乎还是天生注定要与sax结缘。1944年起他在高中吹奏alto sax，1947年离开高中开始在纽约一带演奏tenor sax。Rollins最早是受到Coleman Hawkins的启发，不过他也认识许多的bebop乐手，因为很多著名的乐手就住在他家附近。
Rollins的第一张专辑是1948年在Capitol Records与scat歌手（模仿乐器声音唱歌没有特别歌词的唱法）Babs Gonzalez合作。很快的他就开始与Bod Powell, Fats Navarro以及J. J. Johnson一起录音。他的身边围绕着许多爵士乐的巨星，1949年与Art Blakey合作，1950年与Tadd Dameron，1951年与Miles Davis以及1953与Thelonious Monk。不过，后来他跑到芝加哥去，而Miles Davis也选择了John Coltrane一起组五重奏。1956年一月，芝加哥的Clifford Brown/Max Roach五重奏失去他们的tenor(Harold Land)，Rollins加入并合作了18个月。之后，Rollins开始带领自己的团。1956年五月，他在Prestige录了Tenor Madness，跟来自John Coltrane的节奏组Paul Chambers/ Philly Joe Jones合作。第一首曲子就是一个"tenor大对抗"，Rollins的旋律性即兴发展对上Coltrane的天马行空，也是一绝。
1956年四月，Rollins录制了Saxophone Colossus，一般认为是他的第一张名盘。不过，Ornette Coleman的出现让他开始自我检视，并且退隐了两年(1959-1960)。1961年他重出江湖，与Jim Hall合作。他的演奏更为自由，完全体会Ornette Coleman对爵士乐的革新，甚至还与Ornette Coleman的小号手Don Cherry以及鼓手Billy Higgins合作。之后，他到处巡回演奏，与当地的乐团合作演出（1965、1966以及1967的欧洲巡回）。 1966年，他与Coltrane的四重奏的节奏组Jimmy Garrison/Elvin Jones合作，录了East Broadway Rundown。录音虽然很不错，但也看出Sonny Rollins的问题，他总是孤军奋斗。他觉得很难对抗那些前卫的乐手，于是再度退隐两年，这次他跑到印度和日本充电。
1973年他录制Horn Culture，使用电子乐器伴奏。虽然Rollins的solo依然精彩，可是用电bass的Bob Cranshaw却失去了活力，好象陷入单调的爵士摇滚(jazz-rock)中。1974年的The Cutting Edge也是类似的情形。1978年他与Milestone All Star一起巡回，团员有McCoy Tyner、Ron Carter以及Al Foster，为他点起了火花。可惜这些各领域的大师没有时间跟他固定演出，基于这个缘故，Rollins推掉所有在夜总会的演出，只在大型的表演或音乐会演出。1985年Rollins在The Solo Album专辑中尝试不用整个节奏组。1986年，他的Concerto For Saxophone and Orchestra在日本首演。 1988年他与一些新生代的乐手合作，像鼓手Marvin 'Smitty' Smithu在现场演奏中，有非常杰出的表现。1989年Rollins还与新生代的sax大师Brandford Marsalis合作Falling in Love with Jazz。
Rollins的风格多样不定，正反映出80年代爵士乐的摇摆不定。他确实是一位非常杰出的乐手，他的即兴向来给人的感觉是幽默而流畅。 Miles Davis还认为Rollins是有史以来最伟大的萨克斯风手，在60年代末由Leonard Feather所办的投票中，Miles Davis把'the greatest tenor ever'投给了Sonny Rollins。可以肯定的是，Miles Davis并不是唯一对他评价如此高的人。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]小贼们潜入天下一家家, 偷了天下一家堡币19元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Milt Jackson[/b][/color]
Milt Jackson 是现代爵士乐中响叮当的电颤琴手，他偏好软调颤音，富流动性，注重旋律感的风格，伴随现代爵士乐四重奏（Modern Jazz Quartet）将近三十年。
在米尔特．杰克森(Milt Jackson)之前，爵士乐坛只有两位比较主要的铁琴手(vibraphonists)莱那．汉普顿(Lionel Hampton)及瑞德．诺佛(Red Norvo)。很明显地，「眼袋；Bags」先生，杰克森长久以来的绰号，五十年来始终是公认的爵士铁琴大师, 不论是咆勃、蓝调或是抒情曲，他都展现了优异的技巧及天赋；而他所领导的现代爵士四重奏(Modern Jazz Quartet, MJQ)，也被视为是酷派爵士乐的重要团体(尽管他们的演奏风格比传统酷派更接近咆勃)。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]小贼们潜入天下一家家, 偷了天下一家堡币18元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Eric Dolphy[/b][/color]
Eric Dolphy（1928—1964）生于洛杉矶。58年加入 Chico Hamilton 的乐团后，从60年起随着参加 Charles Mingus 的团体，而与 Ornette Coleman 合演。后来组成自己的乐团。同时也和John Coltrane合奏。一面守着传统的调性世界。一面注入新的手法，成为自从 Charlie Parker 以来，负责联系 HARD BOP、MOOES 和 FREE 等革新性爵士的重要角色。
曾被Miles Davis指责，亦被权威爵士乐杂志形容为“反爵士”，Eric Dolphy因为他的前卫乐风吓跑不少传统爵士乐卫道之士，虽然如此他却是世人公认前卫爵士乐中仅次于萨克斯风手 Ornette Coleman 之天才乐手。以中音萨克斯风、长笛、低音黑管为主要吹奏乐器，Dolphy 虽然以不对称节奏及自由旋律为创作诉求，但他的吹奏力度与萨克斯风巨人 Charlie Parker 相比实在不相伯仲。此外，他的音域控制技巧，可媲美任何硬式咆技术派乐手。1928年生于美国洛杉矶，Dolphy 于6岁时已经参与专业的巡回演出。1958年参与 Chico Hamilton 大乐团，他的才艺足以使得这支原本就光芒四射的队伍更见特殊。60年代的 Dolphy ，除了参与贝斯手 Charles Mingus 乐团工作之外，并与 Mal Waldron、Ron Carter、Jaki Byard 等乐手合作录音工作。1961年他与小号手 Booker Little 的合作更激出灿烂的火花，虽然合作为期不到半年，但是他们在 Five Spot 的录音演出却成为现代爵士乐中的经典作品。1964年，Dolphy的吹奏技巧已达炉火纯清之境，这些可见于他的独奏及双重奏作品中，同年Dolphy亦不幸去世。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家开车的时候, 一张纸条飞进驾驶舱, 仔细一看才发现原来是支票堡币18元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Wayne Shorter[/b][/color]
Wayne Shorter被认为是Miles Davis六十年代传奇五重奏中“最有主张的人”，并且这位次中音和高音萨克斯手还将其创造性带入Hancock-Shorter的四重奏。从其音乐生涯早些时候开始，Wayne Shorter就在不断证实自己是当代爵士音乐圈中最重要的铜管乐手。
1933年Shorter出生于新泽西，1956年至1958年在军中服役。随后他开始与钢琴手Horace Silver合作，并通过在Maynard Ferguson乐队中的演奏，Shorter在纽约爵士乐圈逐渐建立起名声。同时这也使得他有机会在1959年至1963年间加入Art Blakey的乐队，成为一位被受关注的萨克斯演奏新星。Shorter最先的录音是在“Vee Jay”厂牌下的，有三张专辑《Second Genesis》、《Blues A La Carte》和《Wayning Moments》。从那开始他为Blue Note公司录下从《Night Dreamer》、《Juju》、《Adam’s Apple》到《Schizophrenia》等专辑，与其合作的都是顶尖的乐手。
在为Blue Note公司录音的同时，1964年Miles Davis将Wayne Shorter吸收入自己的乐团。在那骚乱的十年间，Shorter与Herbie Hancock、Ron Carter、Tonny Williams在Davis领导下共同创造了一种新的声音，改变了爵士乐的形象。这个组合一直持续到70年，当Wayne Shorter和Joe Zawinul一起创建了Weather Report。
通过自己的独奏生涯以及和Weather Report的一系列合作，Shorter重新确定了音乐上的融合观念，借用各种各样的形式，包括爵士、摇滚、古典和电子等等。自1969以后他几乎每年都在《Downbeat》年终投票中获提名。
1974年Shorter为Columbia公司录制了一张里程碑似的独奏专辑《Native Dancer》，这次录音中有很多令人印象深刻的音乐家共同参与，如来自巴西歌手Milton Nascimento、Airto和Herbie Hancock。这时期，除了爵士乐界Shorter的才华还被摇滚及民谣界所赏识，他参与了Joni Mitchell和Steely Dan专辑的制作。当Herbie Hancock想组建其VSOP五重奏再现六十年代Miles Davis时期的经典声音时，Shorter又和Ron Carter、Tonny Williams、Freddie Hubbard共襄盛举。在电影“Round Midnight”中，Shorter也出演了一个角色，演奏高音和次中音萨克斯。同时期，他还与钢琴手Michel Petrucciani和吉他手Jim Hall录制了一张名为《Power of Three》的专辑。
从其1986年《Phantom Navigator》可以看出八十年代Shorter在他的音乐生涯上正朝着新的方向稳步前进。这张专辑中包括四个键盘，一组鼓机，是Shorter在Weather Report时期风格的进一步拓展。像六十年代早期Miles Davis提携Shorter一样，Shorter在其乐团中以同样的方式帮助杰出的新乐手。近年来，如键盘手Jim Beard、鼓手Terry Lyne Carrington，打击乐手Marilyn Mazur都是Shorter极力扶持的一些新人。
纵观整个音乐生涯，Shorter非常清醒地意识到那些人影响其演奏风格的形成：Coleman Hawkins、Lester Young、Ben Webster和Charlie Parker。同样他也拥有自己特殊的演奏特征，从John Coltrane开始至Eric Dolphy结束，Shorter尝试着像位印象派画家一样用音乐来讲故事。《Rolling Stone》杂志的Bob Blumenthol对 Shorter评价道“过去这么多年来一直自我隐藏的最伟大音乐家，一位令人震惊的作曲家兼萨克斯演奏家”。
这张唱片还真有点传奇性：它是Wayne Shorter自1967年之后第一张全原音器乐唱片；作为乐队领导者的第1张现场唱片；近十年来第1张作为乐队领导者的录音。它收录了Wayne Shorter的全明星四重奏乐队2001年在欧洲几场演奏会的录音。这支乐队的表演风格，和1960年代中期Wayne Shorter所在的迈尔斯·戴维斯乐队有很深的血缘关系。冗长的管乐片段试图充分展现萨克斯吹奏的创造力和表现潜力。然而，尽管乐手们都是当今爵士界的顶级高手，但乐队的表现却不尽如人意，Wayne Shorter的即兴演绎和其他人的演奏略显脱节而多少有点突兀。当然，他们表演得相当投入而且趣味十足，在技巧和配合上依然是一流的，这一点是毫无疑问的。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家请朋友们地摊吃饭小聚, 花费堡币14元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Charles Mingus[/b][/color]
Charles Mingus出生于1922年亚利桑那州的Nogales，小时候在Los Angeles生活时就开始学习音乐，十六岁时演奏贝司。跟交响乐队的音乐家学习的五年使他在音乐上打下了良好的基础。四十年代早期与Louis Armstrong、Kid Ory合作，1947—1948年间Mingus为Lionel Hampton的大乐队作曲并演奏。五十年代早期成立自己的唱片品牌，建立“Jazz Composer’s Workshop”，一个音乐家的联盟，企图抵制唱片工业的商业化操作。尽管他17岁时已写了第一个音乐会作品“Half-Mast Inhibition”，但直到二十年后这个作品与其它二十一个管弦作品一起才由Gunther Schuller指挥正式录了音。1955年在Brandeis 举行的创造性艺术音乐节上，Mingus结合古典和爵士的作品“Revelations”推出才确立了其最重要的爵士作曲家的地位。
Mingus从Duke Ellington、Charlie Parker、Thelonious Monk、黑人福音音乐、墨西哥民间音乐以及传统爵士、二十世纪古典音乐中获取灵感。他的杰作大都是与一些出色的即兴演奏家一起完成的，诸如小号手Thad Jones、鼓手Dannie Richmond、中音萨克斯Jackie Mclean、木管乐器演奏家Eric Dolphy等。Mingus同时也为一些电影谱写大部头的器乐作品。Mingus作品中为人重新演绎最多的当数“Goodbye ，Porkpie Hat”，这是个向Lester Young致敬的作品。
直到1977年年末被诊断出有一种罕见的神经性疾病为止，Mingus一直周游于欧洲、日本、加拿大、南美洲和本国大陆。此时他只能坐在轮椅上了，去世前的一些作品后来都是录在录音机上的。从六十年代至其去世时，Mingus始终是站在美国音乐的前沿的。当被问及对自己一生的自我评价时，Mingus说道：他的贝司演奏来自于刻苦的练习，而作曲的天赋则来自于上帝的恩赐.
Mingus一生获得不少的音乐奖项，其中包括国家艺术基金、古根海姆基金等等，古根海姆基金的Steve Schlesinger对Charlie Mingus的艺术成就评价道：“我们期待某一天能不局限于爵士乐的范围，承认Charlie Mingus是最重要的美国作曲家之一”；纽约人杂志对Mingus的评价：“具有十足原创性的旋律、节奏和音乐结构，他的作品堪与二十世纪西方音乐史的任何一部作品一较高下。”
Mingus的历史地位如此重要，主要是由于：
1、他是自Jimmy Blanton以来的最出色的贝司演奏家`
2、一位使用非传统技巧和全明星阵容的乐队领导者
3、多产的作曲和编曲家
a、创造性地融合各种传统、现代爵士风格，从Jerry Roll Morton、Duke Ellington到Free Jazz。
b、使用多元化的音乐元素如黑人福音音乐、墨西哥音乐以及二十世纪古典音乐
c、能写十分具有个人特色的乐曲
1979年1月5日，Mingus于墨西哥去世，纽约和华盛顿特区在其死后为了纪念他都设立了“Charlie Mingus Day”。国家艺术基金会为Mingus设立了一项名为“Let My Chlildren Hear Music” 的基金。他的作品的微缩胶卷被存放在纽约公众图书馆音乐分馆供研究学习.
纵使Charles Mingus并非第一位将蓝调、灵魂、放克、宗教音乐等元素揉入爵士乐的音乐家，但不可否认的，这位贝斯大师暨创作天才的的确确为爵士乐的寻根工作打下扎实的桩脚。在Mingus遗留下来的录音里，我们可以听到各式黑人音乐的血液在其中窜流，从悲愁的蓝调到奔放的灵魂，从至性的灵歌到即兴的爵士，全都并行不悖地兼容一处，并且借着Mingus的巧思开发出更具革新精神的Mingus语汇。这种从多样源头演变为自成一帜独特风格的作风，恰恰形成Charles Mingus难以预估的创新兴味。因为他的每一个音符都出于不落俗套的巧妙构思，Mingus蕴于音乐里的卓越才气也就更令人叹服。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家徒步爬到16楼为异性客户送便当,得小费威望3[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Dexter Gordon[/b][/color]
戴斯特·戈登（1923—1990）生于洛杉矶。40年代以次中音萨克斯风演奏者活跃于 Billy Eckstine 乐团。和同为次中音萨克斯风演奏者 Wardell Gray的合奏也相当受欢迎。52—60年经历过毒品祸害的停滞期，之后再度复起。自从录完《OUN MAN IN PARIS》（63）之后便定居欧洲。这是他多年后返回美国的两张一组现场录音盘《HOMECOMING》（76）。晚年虽已失去健康，但因主演电影《午夜旋律》（86）而成为话题。
Dexter Gordon 总是给我树林的印象。而且是耸立在原野正中央的高大老树。个子高高的，很适合戴帽子，英俊、沉默而酷酷的次中音萨克斯风手 Dexter Gordon，尤其晚年吸毒成瘾的伤痕和国籍脱离者的孤独，使他给人们的印象简直像树影般安静地落在脚边的地面。
我开始喜欢主动去找 Dexter Gordon 的音乐来听，是上了大学之后。在校园纷争正热，周围的人们都在爵士茶店热心倾听着 John Coltrane 或 Aibert Ayler的音乐那时期，我则专注于更遥远以前的 Bop Jazz。我最初听的 Dexter Gordon 是 Savoy 盘。年轻的Dexter 几乎不知道有什么东西叫可怕的，随心所欲自由自在吹奏“Dexter乐句”。和搭档 Wardell Gray 那会烫伤人般热情狂野的次中音较劲飙吹的＜THE CHASE＞也很棒。当然 Charlie Parker 固然格外出色，但 Dexter 则是对我个人来说的英雄之一。只要光耳朵听见“Dexter Gordon”的名字，就不知道为什么胸口会热起来。从那声音中可以很清楚地闻到爵士乐的硝烟味（gun smoke）。就像“Alfa Romeo”的名字，会让爱车者的心骚动一样。
不过我觉得我对 Dexter 的后期相当冷淡。因为我脑子里经常有他年轻时候的活跃姿态。进入六O年代，演奏风格刻意革新后的 Biue Note 时代的录音确实经常听，但那以后他的演奏我已经无法积极投入了。我感觉到那里失去了什么。
失去的东西可能是那“硝烟味”，还有胸中的骚动吧。Dexter 所主演的电影《午夜旋律》（Round Midnight）看到最后实在相当难过。因为那对我来说，首先不是电影怎么样的问题，而是一种丧失的记录。只不过是对已经被吞进时间流沙中的东西的一种缺乏气味的描摩而已了。不过当然，那不能怪谁，并不是任何人的错。
虽然如此，在这里若要挑一张 Dexter Gordon 的唱片，我决定选他晚年——连我都觉得不可思议——1976年录音的哥伦比亚的现场演奏盘。以质来说，其实可以举出很多张他更杰出的演奏盘，但文章写到这里，却越想越觉得“不能不选这张了”。以表示对 Dexter Gordon 这样一位孤高而诚实的音乐家的敬意。这是他离开很久之后重返美国，登上纽约的“Village Vanguard”舞台，以 Woody Shaw 和 Louis Hayes 热烈的例行双头乐队（Rene Mclean 除外的组合）为背景，超出寻常高昂兴奋地尽情吹出的 Our Man，Long Tall Dexter，其中毫无疑问地，有 gun smoke 硝烟味气味。--- 以上评论来自＂村上春树＂ [attach]17605[/attach]
[color=DarkRed][b]Jay Jay Johnson[/b][/color]
长号之王Jay Jay Johnson出生：1924/01/22 印第安纳州 安那波利斯。长号可以说是最难适应变化快速的bebop。但是神乎其技的J.J Johnson克服种种难题，证明了自己可以用这种笨重的乐器，也可以这样快速，而且对细节又可以精准的处理。他的表现让人们对长号有不同的看法，不仅获得广大的乐迷，也受乐评的欣赏。
9岁的时候向教会的管风琴师学音乐，到了中学时对音乐非常有兴趣，当时他最能接近的是低音萨克斯风，在15岁时选择长号。1940年代与Benny Carter和Count Basie的大乐团做巡回演出，此时他也常在当时纽约市的五十二街的俱乐部做演奏。他也曾参与Miles Davis的几张经典唱片的录音（像是Birth of the Cool）。
50年代初期曾短暂退出乐坛，1954年时再与Kai Winding的五重奏演出，他们之间有密切的合作，专辑Jay and Kai（Sony唱片）就是非常出色的作品。 J.J Johnson在作曲方面的表现也是很出色的。60年代时他开始代自己的乐团时，才专心开始作曲的工作。
1970年他来到加州定居，也为电视和电影创作不少曲子，他也一直保持自己的高质的品味。 J.J Johnson对歌曲的细节有相当的敏锐度，这是为何他会受到如此重视的另一个主因。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在路边摆地摊卖女人丝袜, 本日赚到堡币10元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Stan Getz[/b][/color]
Stan Getz于1927年出生于纽约，十五岁时开始专业训练。一年之后他与Jack Teagarden合作，在随后的四年间分别还和Stan Kenton、Jimmy Dorsey、Benny Goodman一起演奏过。1947年9月，他加入了新的Woody Herman大乐队，成为萨克斯组“四兄弟”成员：Stan Getz、Zoot Sims、Herbie Steward、Serge Chaloff。1948年十二月的专辑《Early Autumn》中，Stan Getz的萨克斯演奏音色开始形成自己“Cool”的特色——少有泛音并且几乎不用颤音。这种演奏风格顿时开拓了许多爵士萨克斯演奏家的想象空间，使得他们分成了两大阵营：一种是以Coleman Hawkins和Charlie Parker音色为典范的饱满的硬波普风格；另一种是以Stan Getz为典范的清晰轻盈的音色。
不过有趣的是，Stan Getz一直认为自己是一位Bop音乐家。他的第一张录音制作于1946年7月，名为“Stan Getz and His Be-Bop Boys”。尽管吸毒的毛病几乎毁了他的演奏生涯，然而整个五十年代他一直是一位站在显要位置的萨克斯演奏家。他艺术性地将酷派音色和眼花缭乱的Bop演奏技巧完美地融合在一起，这一点在他1952年的四重奏录音《Stan Getz Plays》中得到充分地展现，其中Getz的Bop演奏堪与任何一位一流的Bop萨克斯演奏家一较高下。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家英雄救美, 获得威望1.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Chick Corea[/b][/color]
Chick Corea三十年的音乐生涯是不同音乐经历的一种混合。1941年，他出生于马萨诸萨州的切尔西。四岁时开始学习钢琴，而且儿时家庭之中也是充满音乐的，整天能听到Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Bud Powell、Lester Young和Horace Silver，另外Beethoven和Mozart的音乐也启发了他的创作天性。
Chick Corea早期的创作开始于和小号手Blue Mitchell（1964-1966年间）的第一次职业合作演出期间，这时他正式作为这支名为Tones For Jones Bones的乐队的领导者了。早期的合作对象还包括Willie Bobo、Cal Tjader、Herbie Mann以及Mongo Santamaria，使得Corea许多作品中的Latin音乐成分很浓厚。在帮Sara Vaughan伴奏一年之后，由于加入了Miles Davis乐队任电钢琴演奏，Chick Corea开始真正的成名。与Miles Davis合作的几年间，他参与了《Bitches Brew》和《In a Silent Way》两张划时代的Fusion经典作品的录音。也就是从那时开始，他组建了自己的先锋即兴演奏团体“Circle”，成员包括贝司手Dave Holland、小号手Barry Altschul、萨克斯手Anthony Braxton。
1971年，在“Circle”成立三年之后，Corea改变了其音乐上的注意力。成立了早期版本的Return to Forever，乐队的风格很柔和、充满桑巴风味，这时Stanley Clark任贝司手，还有人声乐手Flora Purim，其丈夫Airto为鼓手，长笛手Joe Farrell。以这个班底制作了两张专辑和一部分独奏钢琴专辑以后，Chick Corea开始为乐队插上了电，走上Fusion的路线，这时还招募了两位充满火力的乐手鼓手Lenny White和吉他手Bill Connors。
在Chick Corea使用合成器形成其独一无二的风格的同时，Return to Forever（这时吉他手由Al DI Meola代替Bill Connors）以其开拓性的专辑《Where Have I Known You Before》、《No Mystery》和《Romantic Warrior》在七十年代的Fusion大潮中冲锋陷阵。当1975年Return to Forever解散，Corea又开始尝试录制不同风格的唱片，包括电子大乐队、独奏钢琴、古典音乐、强力二人组演奏（与Herbie Hancock或Gary Burton一起）。
八十年代中期，Chick Corea组了一支电子乐队，制作了获格兰美奖的专辑《Leprechaun》、《My Spanish Heart》、《Musicmagic》，其他的一些作品还包括《Mad Hatter》、《Return to Forever Live》，以及与Joe Henderson、Freddie Hubbard、Hubert Laws、Chaka Khan和Nancy Wilson等人的一系列合作。
1996年，Chick Corea和Sony Classical唱片合作，与Bobby Mcferrin制作了一张Morzat系列作品的专辑，期间充满了Corea独特的爵士即兴演奏以及Mcferrin的人声录音，另外还包括两个Morzat的钢琴协奏曲、Morzat第二号钢琴奏鸣曲的即兴变奏。Chick Corea与Bobby Mcferrin因此成为好友，共同合作了六年，并制作了一张现场爵士的专辑。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家不小心在路边拣到一个破信封, 发现里面原来有堡币15元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Pete Jolly[/b][/color]
1932年出生於康乃迪克的Pete Jolly。三岁开始，便在家人的栽培之下学习手风琴，加入当地乐团。之后随著家人搬迁到凤凰城，在那边他与爵士大师Chet Baker与Benny Carter均有合作的纪录。其实Peter Jolly真正的姓名是Peter Ceragioli，七岁的时候在一次广播节目的录音时，司仪误将他的姓报成「Jolly」，他也觉得这个姓名的发音感觉不错，遂将用為自己的艺名。
54年时，他与同窗好友也是西岸著名的吉他手Howard Roberts一起搬迁到洛杉磯，展开他那璀璨辉煌的乐手生涯。当时洛城的爵士环境发展的相当蓬勃，最著名的爵士表演场域，要属由贝斯手Howard Rumsey领军驻扎的Lighthouse俱乐部，不仅眾星云集，每晚的表演均会吸引到无数的乐迷朋友，挤爆狭小的场地，人才辈出的结果也带动整体音乐水準的提昇。Jolly他们加入当地最有名小号手Shorty Rogers的乐团，与其他爵士乐手像是吉他手Barney Kessel等人合作。他的钢琴风格注重节奏，常常会在音乐当中反应出自己的构想与理念，技巧相当纯熟。Jolly以他那类似摇滚乐的鲜明技巧让深受乐迷朋友的喜爱，逐渐建立自己的声名，往后的十年他与相当多的大师像是Art Pepper、Red Norvo、Buddy DeFrance等同台演出，深受乐迷朋友喜好。
Jolly的作品多出现於VSOP与RCA唱片公司，像是他第二张封面相当逗趣的专辑「Duo-Trio-Quartet」便是在RCA唱片所发行的，但由於版权的分散，此张专辑早已绝版多时，现在乐迷朋友想要找寻本张专辑的踪跡得从西班牙的唱片公司下手。由於录音时间较早，音乐的品质略显闷滞，不过Jolly精采的表现完全盖过此小小的缺点，经典的表现以第八轨「Autumn In New York」，充满节奏感的钢琴充斥著整个空间，速度略快，摇摆的感觉让人不自觉扭动身体；末段的篇章加入萨克斯风手Bill Perkins，声音清爽的管乐搭配节奏的排列顺序，更让专辑增色不少，尤其第十二轨的「Black」更是其中的代表作品。
另一张57年的作品「When the Lights are Low」，便是他第一次以钢琴三重奏的形式表演的专辑，整张专辑是以爵士乐标準曲目為选择的对象，第六轨「Whistle While You Work」的开头，他以高音来挑明乐曲的主旋律，轻巧的触键让人感觉种听到长笛声的错觉；最末轨「Thou Swell」当中，Jolly便展现他也可以飆速的技巧，让人火脉喷张的感觉，丝毫不逊於东岸乐手。虽然本张专辑乐团的组合以及选曲均承袭过往爵士乐的传统，未见创新，不过三人完美的演出也打响第一炮。
63年，Jolly来到乐手生涯的颠峰，他以略带巴西Bossa Nova风格的专辑「Little Bird」，提名当年的葛莱美奖，深获好评。讽刺的是，之后爵士即陷入萎靡不振的黑暗时期，Jolly便转型担任录音室的钢琴手，专门帮流行乐手伴奏，甚至也因為好莱坞地缘性的关係，他也製作了数以百计的电影与电视配乐，堪称全能的音乐人。不过即便在忙碌的录音室排程当中，Jolly仍没忘记他最喜欢的爵士钢琴三重奏，尤其他搭配贝斯手Chuck Berghofer与鼓手Nick Martinis的组合，定期在当地的Donte`s俱乐部表演超过三十年，是乐坛当中的常青树。
最近几年他的作品数量不多，却佳作不断，像是01年与瑞典知名的钢琴手Jan Lundgren合作的双钢琴专辑「Collaboration」，便是一个相当有趣的组合。双钢琴的编制在爵士乐坛当中并不多见，一方面是由於很少有俱乐部有能力及场地提供两台钢琴的表演；再者，钢琴号称全乐器，一台钢琴便有八十八个黑白键的组合，不管是主旋律或是伴奏一台钢琴便可搞定，两台钢琴相加像是两个交响乐团混在一起，似乎有累赘之嫌；其三，若要以双钢琴表演的主轴，两台钢琴的调性要调整好，以免有扞格之处。不过在本张专辑当中我们却发现双钢琴的组合原来可以这样玩，不仅多了对话的对象，也让乐曲越发显得丰富许多。最精采的莫过於第八轨「Minority」，两人合奏主旋律之后便开始互相丢球的即兴表演，Jolly火热的演出根本就不像已年届七旬的老翁。
2004年11月6日Pete Jolly因骨癌和不规则心跳并发而去世。逝世，劳我以生，佚我以老，息我以死，日后仅能在唱片的录音当中找寻大师的身影。
Pete Jolly与Lou Levy一样，都没有受到与他们乐手生涯同等地位的重视，也许是他们的个性使然的关係。著名的钢琴家Oscar Peterson曾经在一次访问当中提到，好的爵士音乐家绝对也是一位好的乐迷，原因是因為音乐家不像乐迷或是乐评们仅需要用感觉或是文字去描述他们所听到的音乐，而音乐家在实际的舞台当中所面临到的，是真刀实弹的对决，也因此，爵士音乐家绝对不会去询问「新音乐在哪边？」，而是不断的从其他乐手们的激盪当中寻找下一个音符的灵感。
Jolly与Levy便是这样在不断的淬鍊当中成长的乐手，也许爵士乐坛要很久之后才能能再有类似他们这般伟大的乐手出现。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家徒步爬到16楼为异性客户送便当,得小费威望2[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Lou Levy[/b][/color]
1928年3月25日出生於芝加哥Lou Levy，如果照排西岸钢琴手的辈分，Levy理应受到更多镁光灯的注视，不过就像他低调内敛的风格一样，以他以自己掛头牌而出的专辑并不多，他也不会刻意的炒作以提高身价，多半大家会留心到这位钢琴手的作品，是他的伴奏。长期担任一线女伶歌者Ella Fitzgerald和Peggy Lee伴奏钢琴手的他，不慍不火的钢琴声响，能让歌者能自在的韵游在和絃与调式当中，无须烦恼映衬乐手默契的问题。该独奏表现的小节，他也会适时的跳出，连贯著呢喃软语的片段，淡淡的弹奏出美妙的乐音。如果能用形容词来表现Levy的钢琴，那是一种淡雅的感觉，彷彿在欣赏一件雅致的艺术品般。若依照爵士乐潮流的分类，Levy应该会被归為bop谱系裡面的一支分流，甚至严格的说来他是属於传统老派的钢琴手。他在一次的访问当中便提到自陈他对於电音乐器加入乐团的想法，他其实并不排斥用电钢琴当成是表演的乐器，不过却觉得这种乐器键盘触感不佳，人工味过於强烈，偶一為之不失為新鲜体验的穿插，不过却绝非长久之计。
12岁的时候即出道弹钢琴，49年的时候加入著名乐团领班Woody Herman的乐团，50年转到长号手Tommy Dorsey麾下，52年到54年的时候他曾经离开音乐生涯一阵子，转战广告业，后来又重回音乐的领域，在芝加哥的Blue Note俱乐部以钢琴独奏的方式復出江湖。54年的中叶，他搬到西岸大城洛杉磯，加入当地的乐团，尤其是当时暴红的一线萨克斯风大师Stan Getz。
Lou Levy与萨克斯风手Stan Getz合作的录音或是现场音乐会，被喻為是他乐手生涯的一段颠峰时期，他与Getz从40年代末加入前述Woody Herman的乐团当中便相识，从此变為莫逆之交，长时间的合奏的默契，不管是曲调的运用、乐曲的长度乃至於对方即兴的模式等等，他们均能掌握彼此所想要表达的意念。81年他在接受杂誌访问的时候就提到对Gtez的讚赏，他说Getz对於音乐的态度永远相当认真的，并且专心聆听其他乐手独奏的部分，做為自己接下来表演的元素。Levy学习到这种态度，并将之用在日后主导乐团上。他也推崇Getz其实是技巧相当杰出的乐手，乐迷的目光不应仅集中在他那几张经典的Bossa Nova专辑，反而更应该听听他与西岸乐手合作的录音，那种完美无暇的表现，Levy将他比喻為萨克斯风界的海飞兹真一点也不為过。
有些乐手适合担任主角，在舞台上接受光柱的照射，有些乐手却擅长為人作嫁。Levy便属於后者，尤其他帮一些歌手伴奏的时候，都能掌握到那微妙的关键点，恰如其分的表现不仅不会抢夺主角的光彩，无形中都有加分的效果。Levy对於旋律的音乐性要求很高，尤其是在詮释传统的经典曲时更為重视，无论即兴的范围深广，他的风格都能维持一贯的抒情与浪漫，难怪他伴奏的邀约总是应接不暇了。
他曾经帮过许多一线女伶的乐手伴奏过，像是之前提及的Ella Fitzgerald和Peggy Lee，另一位三大女伶当中的Sarah Vaughan在她尚未大红大紫前也曾与Levy合作过。Sarah Vaughan除精湛的歌艺外，其实他的钢琴技巧也相当纯熟，早期她也曾尝试以自弹自唱的方式的方式表演，因此对人声与钢琴重奏时该如何配置、如何协调等，都有相当的经验，也让Levy学习到很多。另一位知名的乐手June Christy也曾经与Levy在东岸的城市密尔瓦基合作过几个星期。不过在眾多的女伶当中，Levy自陈最為之倾倒的要属Ella大妈，她的舞台魅力无人能敌，能够适时地用很贴近听眾生活的语言来带动情绪，让现场的气氛热到最高点，她就像是活的点唱机一般，所有的歌曲都难不倒她，甚至若真的忘词时，她也能用拟声的技巧顺利补遗，堪称爵士乐的急智歌后。Levy从她身上看到了另一种伴奏典型的可能，并且能够精确的掌握神韵与精随的巧妙之处，放在自己日后的即兴当中。男歌手的部分绰号「瘦皮猴」的Frank Sinatra也曾与他合作过，Levy在乐坛的地位可见一般。
在Levy与女歌手Jane Fielding合作的专辑「Introducing Jane Fielding」当中，便可以找到為何歌手都喜欢找他来伴奏的原因。专辑所选的都是爵士乐传统的经典曲目，Levy在乐曲的行进当中提供了丰富的和絃，让其他乐手在即兴的过程当中，能够找到依循的根据。每手乐曲的中后段，都留给Levy一段独奏的空间，让曲子除歌手美妙的乐音外，不会显得过於单调。比如说项第七轨的「I`ll Remember April」当中钢琴与歌声一搭一唱的模式相当的讨喜；第十轨「Something to Remember You by」是一首略带俏皮味道的曲子，钢琴持续在后面提供充沛的能量让Fielding铺陈她所构思的乐句。综观整张专辑，Jane Fielding的歌声固然截去大部分的焦点，但Levy的伴奏让所有的经典曲目听起来更流畅且更有深度，一个知名度不高的女伶在他的加持下，能有明显加乘的效果，不禁让联想著若是换成其他技巧更為高超的歌手，不知会有多精采的表现。
Levy所发行个人的专辑不多，多半是在其他乐手的专辑当中担任节奏组的灵魂。以他掛头牌的专辑其实大部份以小编制的乐器集合為主，像是独奏、三重奏等，均是他常用的组合，也许是Levy风格本来奉行「less is better」的主旨，不太适合大阵仗的捉队廝杀，简单的器乐反而能够勾勒出的图像更发人深省。他在Jubilee与RCA唱片发行几张专辑，均是这种组合。像是专辑「Play Baby Grand Jazz」，他以传统三重奏的方式詮释传统的经典曲，淡淡的演奏方法正服膺他一贯不愿张扬的风格，在他手下所递演出来的旋律线条尤其美，感觉就像是一幅画般的具有诗意，贝斯手Max Bennett与鼓手Gus Johnson均是长期合作的伙伴，完美的默契让乐曲在交替进行之际，丝毫感受不到那一种躁动焦虑的情感。像是第四轨「Lover Man」便是其中最好的例证，缓慢略带抒情的叙事手法，优雅的呈现出一种迥异於既定印象中爵士乐应有的火热与激情；而最后一轨「You Don`t Know What Love is」仍维繫著这样的风格，留与乐迷无限的回味。
Levy的独奏专辑也证明他叙事的能力相当强，在专辑「Solo Scene」当中便展现其精湛的独白。54年Levy重回爵士圈时在有一段时间在芝加哥以独奏的方式表演，这时知名大师Woody Herman的乐团正在那边访问，团员们下班把酒言欢之际听到Levy的琴艺，惊為天人，好事者用随身的收音设备录製音乐会的片段交给RCA唱片公司的製作人欣赏，大家才惊觉原来Levy不仅止於一个伴奏的琴师，遂才有这张专辑的诞生。第六轨「Get Happy」他用快速的爬音穿插在主旋律的进行当中，让乐曲呈现一种不同的味道，末段速度加快，右手不断的在即兴音符当中跳跃，左手提供和絃基调，双手的对话，完美无暇；在第八轨「I`ll Take Romance」中，他的独奏手法有点像是影响他最深的钢琴大师Bill Evans，高贵优雅，浅浅地带出如玉凝脂般的情境幻想；最末轨「Cheek to Cheek」，Levy用不同於传统热情的表现方式，朴实无华，乐曲中段以降的速度开始加温，镶嵌著繁复的爬音，有点类似向盲眼钢琴大师Art Tatum致敬的味道。综观通篇的乐曲，有激情昂然，有平铺直叙，也难怪连专业的乐手都会被他的独奏给吸引了！
在爵士乐的黄金年代之后，开始进入一段不短的黑暗冰河期，这段期间Levy录製的专辑相对较少，他开始尝试為人师表指导年轻乐手，不过他提到要传授爵士乐的即兴其实不是件容易的事情，因為即兴的很大部分需要从乐手的内心思维模式出发，追求能够用更少的音符来表达深层的意念，这比只求躁进的一味强调速度的追求相对而言要重要许多。90年代，爵士逐渐復兴，Verve唱片公司想起这位被乐坛遗忘多年大师，便请他重出江湖，发行了两张专辑「Lunarcy」与「You Know」，后者，採取爵士专辑当中少见的两把贝斯编制，一位是瑞典却在美国发跡的Eric Von Essen，另一位是来自法国知名的大师Pierre Michelot。编制两把贝斯的情况大多发生在以管乐器為首的乐团当中，如此的组合是希望能解放一把贝斯让他有更多的机会参与即兴，不过却免不了会让人有种低音部过於庞大的错觉，但是在Levy妙手生花的运用下，却让专辑更显得层次感，其中第二轨「Paradise」Eric Von Essen用大提琴的弓弦声响加入乐曲编排当中，低沉的嘶鸣，充沛的流洩出柔情似水的感觉；第八轨「Davana」是Levy的自创曲，开头两把贝斯即点出主旋律，接续加入的钢琴点缀著，一曲充满著欢乐气氛的曲子。
2001年1月23日Levy因为心脏病与世长辞，原本与唱片公司持续的发片计划也剎然中止，留给乐迷们无限的遗憾。
[[i] 本帖最后由 天下一家 于 2008-7-15 18:56 编辑 [/i]] [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家坐公车的时候被小贼偷了一部旧NOKIA 8800手机, 损失堡币16元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Chet Baker[/b][/color]
听Chet Baker的音乐要把灯光调低，要有一瓶威士忌陪伴身边，要戴上耳筒；唱片在沙沙走动，你会听见他说，Let"s Get Lost。让我们一起迷失，迷失在幽幽的小喇叭声中，迷失在一个心碎浪漫主义者的浅吟低叹之中。
Chet Baker，一个俊朗迷人的美男子，一个爵士乐历史上的早熟天才。在Bruce Weber为他拍摄的传记电影《让我们一起迷失》中，我们可以看到他的一生。他最早从军队中学到音乐常识，退伍后在Be-bop鼻祖Charlie Parker的乐团中作过短暂的停留，23岁时，和低音色士风手Mulligan一起录下Cool Jazz着名的演奏《我可笑的情人》(My Funny Valentine)，凭此曲一炮而红。这首老曲子在Chet Baker发挥之下重新焕发了生命，它简单而含蓄，几乎是不动声色地，但却深深渗入你的听觉之中。成名后的Chet Baker组成四人爵士乐团走遍美国各地；六十年代后，又只身前往欧洲，把Cool Jazz的精髓加入更多的欧洲和声，令爵士乐在欧洲获得更大的推广。Chet Baker就象是一颗燃烧着的流星，散发着令人不可思议的能量，带着一种致命的速度向神秘不可知的地方冲去。1988年5月13日，有人在阿姆斯特丹发现他堕楼身亡，一代爵士大师就这样撒手尘寰。
电影《让我们一起迷失》在Chet Baker死前三个星期拍完，Chet Baker曾说拍摄过程给他带来了一段难忘的欢乐时光，但他还未来得及看到这部电影就悄然而别了。1990年，这部电影获得奥斯卡金像奖最佳纪录短片提名。
Chet Baker是一个自我主义者。他沉湎在自己的生命与音乐之中，对周遭世界置若罔闻。他的演奏和歌唱都是以自我为中心，就象是一个内敛式的磁场，听者只能被他的音乐吸进去，而他从不迁就听者。他的小喇叭就象一个街头失意的醉汉，在感觉的世界中到处游走，不时迸发出一些即兴的火花，幽暗低回，带着一种令人落泪的宿命感。就象那个失落的年代一样，Chet Baker的音乐迷失在岁月的隧道里，但至今我们仍听得见他醉人的回声。
冷爵士又称西海岸爵士,它形成于40年代末50年代初,此种曲风结合了”波普”爵士和”摇摆乐”中某些被忽略的音乐元素.这种音乐的旋律委婉柔和,编曲严谨声部规整.虽然冷爵士不具备煽情特质,但它却有着广泛的群众基础。
Chet Baker是一个天才演奏家。他虽然未写过一首乐曲，但他的创意却完全流露在他对乐器的驾御和对音乐的演绎中。他的演奏常常能为一首乐曲注入灵性，令它出现全新面貌，为听者带来前所未有的感染力。 [attach]17744[/attach]
[color=DarkRed][b]George Benson[/b][/color]
George Benson自60年代崛起之后，一直被认定为地位超级的歌者与吉他手，横跨行与爵士乐界的成功范例，也是爵士乐界第一位拿到白金唱片殊荣的乐手。60年代是他在爵士乐圈全力发展的时期，和他合作过的大师级人物括了Wes Montgomery、Miles Davis、Herbie Hancock、Ron Carter等人，这些搭配角的变换，象征着Benson自蓝调到混体爵士、电子爵士等乐风的多向尝试。70年代中期之后，Benson开始将专辑发行重心摆在流行歌曲的创作上，末期还曾以歌手身份拿下一座葛美奖。他深受吉他手Wes Montgomery及钢琴手Nat King Cole两人的影响，他的指法拥有丰富的摇摆韵味，乐风之中常可见到蓝调与灵魂的味道出现。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家钱包不见了, 好在带钱不多, 丢失了堡币13元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Wynton Kelly[/b][/color]
出生于牙买加，四岁时和家人来到纽约，在布鲁克林区长大。开始时在节奏蓝调的乐团，二十岁时开始为蓝调唱片公司录唱片，合作的乐手有Dizzy Gillespie、Lester Young，Dinah Washington等。
1952年之后在军中服役一段时间，之后再次展开音乐事业，几位关键的合作对手有女歌手Dinah Washington（1955-57年）、贝斯手Charles Mingus（1956-57年）、小喇叭手Dizzy（1957年），1959年到1963年和Miles Davis合作，让乐迷十分喜爱的专辑有Kind of Blue、Some Day My Prince Will Come。离开Miles Davis后与贝斯手Paul Chambers、鼓手Jimmy Cobb组成三重奏，这是他音乐生命中最重要的组合。
才华洋溢的威斯．蒙哥马利，是爵士乐史上最令听众兴奋的传奇吉他手之一，他超强的即兴能力以及鲜明的个人风格，总令听者留下无法磨灭的深刻印象。蒙哥马利的音乐才华，在现场演奏的时候，更能够表露无疑，这一场在纽约半音俱乐部的现场演出，由钢琴家温顿凯利率领贝斯手保罗钱伯斯、鼓手吉米考柏与蒙哥马利携手合作，这顶级的乐手阵容，也不负众望地拿出一段又一段热力四射的过瘾音乐来轰炸听众。 [attach]17754[/attach]
[color=DarkRed][b]Bill Evans[/b][/color]
Bill Evans出生于一九二九年，原名William John Evans，在学校的时候，也有人称他William "Fingers" Evnas。五零年代晚期，比尔．伊文斯开始在乐坛崭露头角，出道不久，便与迈尔．戴维士（Miles Davis）同赴新港音乐祭，六九年合作了《Kind of Blue》，更使他很快就打响了名号。在此辑中，他参与了录音及制作，也担当主要的钢琴手，〈Blue in Green〉，〈Flamenco Sketches〉两曲是他的作品，这张专辑的编曲也由他担任，甚至内页的介绍也是由他执笔。我们可以说因为戴维士的大胆而开启了调式音乐在爵士乐的实践，但在首场实验性的录音中，却是由比尔．伊文斯担当主要的旗手。
除了与戴维士的合作之外，一九五六年到一九六三年间，比尔伊文斯在河岸唱片留下了十多张的唱片，也是重要的史料，记录着伊文斯的摸索，实验以及成熟。
一九五六年，伊文斯加入河岸唱片，录制了他的第一张商业发行：《爵士新概念（New Jazz Conceptions）》，在这张专辑中，伊文斯虽然是首度尝试商业发行，却毫不退缩地展现他想要带给世人的爵士新概念。他将德布西与拉斐尔的演奏风格带入爵士乐的领域，展现了印象派的朦胧与神秘，却又不失爵士乐的摇摆感受以及即兴精神，相当神奇地将两者合而为一，并且悦耳动听。
一九五八年，伊文斯再次宁静革命，他录制了一首钢琴独奏〈Peace Piece〉，在这首曲子里，长达七分钟他以两个反复的和弦为基础不停地即兴演变，明显地展露他的企图。他尝试将George Russell提出的调式理论（modal theory）带到爵士乐的领域里来。同年，他与贝斯手山姆．琼斯（Sam Jones）以及鼓手菲利．乔．琼斯（Philly Joe Jones）合作，出版了三重奏作品《人人都懂比尔伊文斯（Everybody Digs Bill Evnas）》，除了收录前面提到的实验性作品〈Peace Piece〉外，还找来了已经成名的乐手例如迈尔．戴维士以及加农炮艾德利等人为他签名背书。此辑同时是他在隔年参与《Kind of Blue》录音的重要关键。戴维士说伊文斯是宁静火焰，我想指的正是这种让人不知不觉地接受了一种新的概念，而且一烧就是一整片山林的特长。
五九年到六一年间，比尔伊文斯在河岸的岁月达到高峰，他和贝斯手史考特．拉．法罗（Scott La Faro） 及和鼓手保罗．摩逊（Paul Motian）合作，留下了许多精彩的录音。包括了精彩三人同时即兴的《爵士探索Explorations》，《爵士肖像（Portrait in Jazz）》等，其中最著名的该属《Sunday at the Village Vanguard》以及《给黛比的华尔滋（Waltz for Debby）》 两张。这两张是同一场录音，是六一年六月二十五日在前卫村（Village anguard）酒吧所留下的，比尔等三人应该是有受到酒精或是药物的影响，这场演出带有迷幻气息，比尔的钢琴不急不徐地弹送情歌；鼓手保罗的演奏以钢刷为主，让节奏精巧地轻灵摆动；贝斯手史考特明显的弦声不干于背景铺陈，无论是独奏的片段，或是在比尔略放空档的音符间隙里与钢琴交叉对话，一个节奏组三重奏，这样的阵容是优异到有点不可思议的地步。
在《给黛比的华尔滋（Waltz for Debby）》里的曲目包括了数首情歌例如〈My Foolish Heart〉，〈Waltz for Debby〉以及〈My Romance〉，都是比尔伊文在他的演奏生涯里常演奏的曲子，而本张专辑里的版本，可以算是当时最成熟的版本，与日后的许多诠释相较，也都算是相当好的版本，例如标题曲〈Waltz for Debby〉曾在五六年的《爵士新概念（New Jazz Conceptions）》专辑中有概念性地演出过，而在这张专辑中的现场版本，则比之前的录音室作品成熟许多，结构已达完美，日后许多版本都不及这个版本的完美。
这次的演出十天后，贝斯手史考特车祸丧生，除了乐坛失去一个重要的贝斯手，对团长比尔．伊文来说，更是痛失右手，不只使这个优异的三重奏终结，也使比尔．伊文暂停一切的演出一年，对酒精与海洛因的需求也日益加重。
六二年重新开始录音，和新任的低音大提琴手恰克．以塞列（Chuck Israels）合作，留下了《月光（Moonbeams）》和《心灵之歌（How My Heart Sings!）》两张专辑。在这两张专辑中的伊文斯和新任的低音大提手合作出另一种风味，较之史考特．拉．法罗的骚动，以塞列的拨弦较为轻巧，伊文斯则大抵保持了印象派的优美音色，多首3/4拍的华尔滋都很悦耳，但是改格的风味较相对的淡去。
六二年七月，他更尝试找来小号手佛瑞狄．哈伯（Freddie Hubbard），吉他手吉姆．霍尔（Jim Hall），MJQ的低音大提琴手波西．希斯（Percy Heath）以及鼓手菲利．乔．琼斯（Philly Joe Jones）灌录了一张难得的五重奏作品《相互共呜（Interplay）》，在这张辑中，值得将耳朵专注在鼓手菲利．乔．琼斯和小号手佛瑞狄．哈伯两个人身上，菲利．乔．琼斯的击鼓一直是以活泼热烈着称，与印象派的伊文斯似是不同挂的，但是他在此辑中则表现了难得的内敛与沉稳，足见乐团伙伴交互影响的威力。倒是小号手佛瑞狄哈伯当时正值年轻，经验不足，加上他的乐器是全团中最嘹亮的铜管，使得他在录音的第一天根本无法与其它四个人配合上，根据记载，到录音的第二天，哈伯才完全进入状况，掌握与其它人配合的诀窍。
到了一九六三年，也就是伊文斯与河岸唱片合作的最后一年，他已经开始为新东家Verve唱片灌录著名的独奏混音作品《与自己对话（Conversations With Myself）》，尝试利用新的录音技术，自己与自己搭配即兴演出。为河岸唱片留下的最后一张唱片是一张现场唱片《Bill Evans Trio at Shelly's Manne-Hole》，这是除了著名的前卫村两张录音外，第二场为河岸留下的现场录音，其中合作的低音大提手以塞列是拉法罗之后的接班人，而鼓手赖瑞．邦克（Larry Bunker）则是只有合作过这幺一次，在演奏内容上特出之处并没有很多，但是由于是为他出道的公司录制的最后一张唱片，所以颇具时代意义。
除了这些原本挂牌河岸唱片发行的唱盘（LP）转发成CD格式之外，还有三张挂在Milestone牌下发行的录音，其录音内容也是河岸时期的录音，只是当时没有发行。它们是1963录制的两张独奏专辑《The Solo Sessions, Vol. 1》和《The Solo Sessions, Vol. 2》以及现场录音《Time Remembered》。
其中的两张独奏作品是录制于他为Verve录下《与自己对话（Conversations With Myself）》之前留下的，可谓是最早的大量独奏录音，这个时期由于还没忘情拉法罗，加上酒精与海洛因的用量都很大很大，伊文斯的表现并不好，大部分的录音都拢罩在很严重的低气压之下，让人有点气闷，甚至有很多曲子和曲子之间，因为嗝过头了，忘了要停下来，而只得录成多首曲子串连的Medley。这两张独奏作品当时并没有发行，第一次发行是在出版伊文斯河岸全集套装的时候，放入其中。到一九八九年才首度以单张CD的型式发行。另外一张《Time Remembered》则是将伊文斯最后一场现场录音《Bill Evans Trio at Shelly's Manne-Hole》的未收录曲加以收录，重新发行。
这一次，风云唱片挺有决心地将代理的OJC的唱片较大规模的重发，虽然由于是德国版，许多玩家对于封面印刷的品质并不满意，但至少已经让原本很多难得发现的唱片有较容易被买到的机会。其中，当然包括市场考量，所以在国内挺具人气的伊文斯，接近是全数都重新出现在市面上，再加上一张伊文斯在河岸时期的选辑，这无疑是一个重新收齐伊文斯的河岸岁月最好的机会。
比尔.艾文斯并不像一般乐手成名于一些特殊的音乐活动或大型表演。他的诗意陈述与谦逊自若的作为，是慢慢被乐界和乐迷认同的。当他于1980年因心脏病去世时，被公认是影响往后发展最深的一位JAZZ钢琴家。
比尔曾经担任Miles Davis乐团成员，并与其共同灌录经典专辑“Kind of Blue”。从五十年代末期开始，比尔以德彪西的现代和声为架构，找到自己即兴演奏的方向，这个风格进入六十年代以后更加明显。听来不太和谐的和弦结构中，比尔演奏起来却相当顺畅。
比尔自组的三重奏乐队以强调演奏上的相互补位而闻名。比如比尔自己的即兴弹奏若显松散，贝斯手马上可以辅助比尔的空隙。另外，鼓手的节奏运用也以轻微的触击声代替强拍子的大鼓声，因而这个三重奏被誉为是发挥团对精神最佳的例子。在比尔所组的三重奏当中，又以他与鼓手P aul Motian和贝斯手Scott Lafaro的组合最有名。比尔.艾文斯曾说：“让声音更丰富是必要的责任！”而这就像他的音乐特性一样，一层一层覆盖的神秘面纱，极具缥缈色彩。听者必须细聆其音乐纹理，才能获得渐入佳境的聆听趣味。
比尔.艾文斯本人的录音演出以三重奏最多，但对于个人独奏和与大型乐队合作的演奏他也相当感兴趣。在六十年代末融合乐兴起以后，大部分乐手顺应潮流都改以电子乐器演奏，然而比尔却坚持传统乐器的纯净音色演出。即使在八十年代初期去世前，他也只尝试以电钢琴灌录唱片，仍坚持不弹奏合成乐器。比尔后来还对N ew Age风潮产生莫大影响，足见其魅力所在。
Bill Evans的音乐专辑大多是以钢琴为主伴以鼓及贝斯的三重奏为主，也是因为它的表现是如此不凡，这样的三重奏才能受到乐迷所喜爱。Bill Evans的个性沉默冷静，他的音乐也是如此，也许不是很喜欢他的人会觉得他的音乐缺乏热情，但是他的琴音还是像诗一般的美，值得您静静来聆听，由其它擅长于让他的音乐充满感情。 Bill Evans在爵士乐鼎盛的50年代窜起，并成为影响当代极大的钢琴大师。由于父母的鼓励支持，Bill 的哥哥学习钢琴，而他开始时学的是小提琴。但是哥哥在学的时候，Bill 总在旁观摩，而且喜欢自己弹弹钢琴，以后父母便让 Bill 和哥哥一起学钢琴。虽然学的是古典课程，Bill总会模仿收音机上听来的爵士乐。 Bill Evans对爵士的自由即兴风格之倾倒，可以从他的作品中感觉出来。他也借着音符来传达他的感情与想象，没有swing的欢愉与bebop的刚烈，是属于内敛自省的风格。 1959年，脱离 Miles Davis 之后，Bill Evans 以个人为名的三重奏乐团，在爵士乐坛上立下稳固的地位。
他的三重奏有特殊的质感，长期以来与贝斯手EDDIE GOMEZ合作良好，这是BILL 弹奏电子琴的黄金时期，有人认为电子琴使他失去了平日的感性，但仔细耹听之下，你会发现他在不断续的弹续之下，他与电子琴的完美结合。”FUNKALLERO”受到许多乐手的喜爱，ZOOT SIMS为它狂，STAN GETZ也坚持与他合奏，然而，他是少数不相信自已专辑品质的爵士乐手，对自已要求相当严刻，他也不喜欢断续或重复地演奏方式，他录音只录一次，接着下一首，因此造成他对演奏时精准的要求，表现在完美的钢琴弹奏。
1929年出生至1980年去世，BILL在当世钢琴界已奠定他大师的地位，初听他的音乐，你或许会惊讶他的琴声并不是很突出，但久了之后，你就发现每当到某一小节，你会期待他钢琴声的出现，若没有他的琴声来穿插连贯，整首曲只不过是普通的拍子，他那连续的指法，不经意的节拍，及灵活的变奏，造成他的音乐的丰富性，这也就是他的魔力所在，直到今天，许多爵士钢琴乐手仍深受他的影响，自由的曲风，不经意的演奏，虽不突出，但少了他又不能完美，BILL EVANS就是如此的重要，也因此他在酷派、咆勃乐风下都能占有一席之地。
Bill Evans的黄金时期在1959-1961年间,这段时间他和贝斯手Scott LaFaro及鼓手Paul Motian以三重奏的方式,演奏醉人诗情般的曲子同时,亦表现出一种较为内敛的风格,这样的组合成了爵士史上最具代表性的三重奏,在这之前没有人以钢琴三重奏的方式演出,所以我们几乎可以说是他一手创立了爵士乐里以钢琴为首的三重奏标准,他们用一种全新的方式演奏乐曲,三种乐器之间互相影响与协调.创造出主旋律的架构,这在当时来说是一种新的尝试,而这种尝试立刻受到乐迷的喜爱与好评。但却因为人生的无常,贝斯手Scott LaFaro在1960年7月初,从他妈妈的住处离开,前往与Bill Evans乐团练习的途中,开车失速撞上路旁的树而不治身亡,就这样结束了他们的合作关系,留下了4张在Riverside所录的专辑.成为所有乐迷必备的名盘,也为Bill Evans与Scott LaFaro奇迹似的邂逅划下了句点。他们最后的录音是在1961年6月25日于Village Vanguard酒吧展开为期10天的表演,Riverside的制作人Orrin Keepnews眼光独到,决定把最后2天的实况录下,因此我们才能享受到爵士史上最强三重奏绝佳的演奏,不至成为绝响。此次的实况录音,分别录在《Sunday at the Village Vanguard》和《Waltz for Debby》这两张专辑中,Bill Evans为了纪念最了解自己的贝斯手Scott LaFaro意外身亡,选出当次录音分别收入《Sunday at the Village Vanguard》(并订定副标题为”featuring Scott LaFaro”)及《Waltz for Debby》。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在赌场爽了一把, 赢得威望1.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Dave Brubeck[/b][/color]
爵士乐的魅力很大程度上在于它是一门表达情感与情绪的艺术。许多爵士乐手一生都在述说着人世间的喜、怒、哀、乐。爵士乐需要的是一种亲和力，正是这样一位貌似平凡的充满阳光般喜悦的人Dave Brubeck缔造了爵士乐坛最为本色的声音。
Dave Brubeck是唯一一位赢得国际声誉的西海岸风格的爵士钢琴手。他的作品中充满了古典音乐的痕迹，虽然他也跟著名的作曲家Darius Milhaud学习过作曲，但Dave Brubeck并不能算是真正意义上的古典钢琴家，他只是把古典的理论用于编曲与即兴演奏。除了是一名杰出的钢琴演奏家外，Dave Brubeck还是一位伟大的作曲家。他的作品结构简洁、旋律悦耳、编排精巧，给人以持久的新鲜感，难怪有人把他的音乐称为爵士乐与流行乐的完美组合。
Dave Brubeck四重奏成为了爵士乐的瑰宝，而同样能体现Dave Brubeck个性与才华的还有他的独奏作品。然而他的独奏作品大部分是在家中完成的，于是作品的画龙点睛之处便具备了即兴与真情的实感，这才使得Dave Brubeck的音乐长盛不衰。
Dave Brubeck是受人欢迎的作曲家、钢琴家和乐队指挥，他开创了西海岸的爵士音乐，他的代表乐曲《Take Five》向世界范围的观众介绍了爵士音乐，他独具创新的作曲包含了交响乐、芭蕾舞乐、音乐喜剧与宗教音乐的许多元素。1996年获格莱美终身成就奖.
[color=Navy][b]注：[/b][/color]
《Take Five》是一支为爵士乐做出划时代贡献的乐曲，也是爵士历史上最有名的乐曲之一。上世纪五十年代末，Dave Brubeck Quartet组合中的灵魂人物中音萨克斯手Paul Desmond写了这一首名叫Take Five的四重奏乐曲，最开始时这首爵士乐以单曲的形式发行，由于采用了极为罕见的5/4拍，这在当时的爵士音乐界引起了强烈震动，并受到广泛批评，但在符合大众口味的金曲排行榜上却可以和彼时如日中天的猫王的歌曲抗衡。
以后的时间证明了，这种复杂节奏改变了当时人们陈旧、萎靡和一成不变的听力习惯，同时在探索爵士节奏的可能性上作出了深远影响。21世纪福克斯公司也曾经将此曲用做电影题头。
由于Paul Desmond在爵士历史上的地位与名气都远远不如Dave Brubeck，《Take Five》的曲作者经常被误以为是Dave Brubeck。而实际上由Dave Brubeck、Paul Desmond、Joe Morello、Eugene Wright组成的四重奏组合在1959年发行的专辑《Time Out》里，Dave Brubeck的确是除《Take Five》之外的所有乐曲的作者，这张专辑中八分之九拍、四分之五拍、四分之六拍等诸多非常规爵士乐节拍也有出现，但《Take Five》在爵士乐史上石破天惊的意义显然非专辑中其他乐曲可以比拟，在后来发行的绝大多数关于Dave Brubeck Quartet的精选专辑中，几乎100%都会收录。
如果哪一天，你在街上漫步发现一家叫Take Five的店，千万不要惊讶，全世界以Take Five命名的咖啡厅、酒吧或是乐团实在数不胜数。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在公车上拣到堡币3元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Joe Sample[/b][/color]
Joe Sample是50年代后期在Fusion风格流行大潮中，从硬Bop曲风转向电声曲风的诸多爵士音乐人之一。他是The Jazz Crusaders组合的创始人之一，另外三个创始人是长号手Wayne Henderson，高音萨克斯手Wiltion Felder以及鼓手Stix Hooper。The Crusaders与Art Blakey's Jazz Messengers极为相似，只是洛杉矶的The Crusaders组合没有小号手，而且以高音长号为主音而闻名。Sample原先是一个硬摇摆（Hard Swing）乐手，能够出色应用各种和弦和即兴演奏，早期的他专注于使用钢琴演奏，但后来更多转移到了电声键盘乐器，因为当时他们的乐队也正在向Funk爵士风格转变。70年代初，他们把“Jazz”的字样从The Jazz Crusaders中去掉，变成了现在的The Crusaders。虽然他曾经在1969年领头录制了一张不太成功的爵士钢琴三重奏唱片，但仍然被人们认为1978年的Rainbow Seeker才是第一张他真正开始领头的专辑。The Crusaders以高清晰的音乐而逐渐出名，Sample自己为MCA和华纳兄弟唱片公司录制的Pop流行风格爵士乐，通常表现出极度的自我感知和浪漫情调。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家获得本周补贴堡币10元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Dave Brubeck[/b][/color]
一九九九年十二月六号度过七十九岁生日的戴夫布鲁贝克，出生在美国加州，他受过完整的学院训练，大学时期在College Of Pacific读音乐，二次大战期间在著名的巴顿将军手下带领一支军乐队。退伍之后，他进入Mills学院，拜在作曲家Darius Milhaud门下学习。Milhaud虽是古典音乐家，却常引用部分爵士与拉丁的节奏元素，经常鼓励学生们演奏爵士乐。布鲁贝克在老师的支持引导之下，著手朝向爵士乐发展，一九四六年与同学们组成了布鲁贝克八重奏，当时音乐的实验性强烈，因此也没有太大的迴响。
八重奏玩了两三年之后，布鲁贝克与鼓手/铁琴手卡尔杰德（Carl Tjader）、低音大提琴手朗克罗提（Ron Crotty）以三重奏编制的形式开始录音，听眾的反应很好，作品获得不错的销售成绩。可惜一九五一年的一次戏水意外，几乎葬送了布鲁贝克的演奏生涯，休养了好几个月之后才又回到钢琴前面，但是原来的乐团已经解散。布鲁贝克復出以后组成的新乐团是个四重奏，这个团体，是他音乐事业的颠峰，其中团员包括一位老友，萨克斯风手保罗戴斯蒙（Paul Desmond）。布鲁贝克从一位学院气息浓厚的爵士钢琴家，一跃而成家喻户晓的演奏巨星。
研究一下他们两位后来的合作成果以及个人的作品，发现他们实在是绝配，儘管两个人都是一副斯文的白面书生模样，音乐上的表现却是大相逕庭。布鲁贝克理智而内敛，思绪周密结构严谨。戴斯蒙的演奏虽也是冷静一派，音色与旋律的表现却是甜美无比，每次独奏都像是一桶蜂蜜当头倒下。但是他们两人合作，却真是完美的互补，形成既甜美又严密，既动人又深刻的绝佳表现。
布鲁贝克杰出的音乐表现之外，也是一位性情中人。可能很多人知道，布鲁贝克是第一位登上时代杂誌封面的爵士乐手，听台北爱乐主持人黎时潮讲过一个故事：当年时代杂誌列入考虑的封面人选有两位，除了当时最受推崇的白人爵士乐手布鲁贝克之外，还有伟大的作曲家与乐团领导人艾灵顿公爵，出刊前公爵与布鲁贝克一起在欧洲巡迴演出，有一天早上公爵敲了布鲁贝克的门，满面微笑地将最新出版，以布鲁贝克為封面的时代杂誌拿给他。接受了公爵诚恳的道贺，布鲁贝克后来回忆说：「我当时羞愧欲死，要不是后来公爵也成為时代杂誌的封面人物，我会一辈子良心不安！」
事实上，对於整个爵士乐发展来说，布鲁贝克最大的贡献也正在「学院」裡面。他的乐团是最早进入大学校园巡迴演出的团体之一，直接走入学生群中，吸引了许多原本不听爵士乐的听眾。布鲁贝克这个人，也成為青年人的模范典型。他成功建立「文人爵士音乐家」的形象，冲淡了爵士乐手在公眾印象中的江湖味。白人的身份、正统的音乐教育背景、对爵士与古典乐语言的嫻熟掌握加上自己与乐团伙伴们的高超创意，多种因素使他的乐团顺利地消除美国听眾的疑虑，人人乐於正面拥抱布鲁贝克的音乐。
八十岁了，布鲁贝克老先生依然身体健康，四处巡迴演奏，爵士乐迷聆听他的作品，总是会发现他还是一样地坚持作品的风格，戴夫布鲁贝克，永远是值得尊敬的爵士大师。 [attach]18084[/attach]
[color=DarkRed][b]Sonny Rollins[/b][/color]
萨克斯风巨匠桑尼．罗林斯(Sonny Rollins)是目前硕果仅存的爵士大师之一，是爵士乐史上与李斯特‧杨、柯曼‧霍金及与约翰‧柯川齐名的萨克斯风手界的「四大天王」。一九五○年代曾先后与迈尔士．戴维斯(Miles Davis)、瑟隆尼斯‧孟克(Thelonious Monk)等人组成五重奏团，演奏生涯横跨了近半个世纪，其间虽因成名压力过大数度引退，试图找寻新的演奏方向。但罗林斯仍将爵士乐从咆勃、硬咆勃一路带往一九六○年代自由爵士到如今当代爵士场域裡，见证了整个爵士乐的歷史发展。
村上春树在他的散文集《爵士群像》裡，对桑尼‧罗林斯有这样的描述：「爵士乐的世界裡，就属次中音萨克斯风手（Tenor Saxphone）最拉风，那是因為有桑尼．罗林斯与约翰．柯川」；「桑尼．罗林斯演奏标準曲（Standard）时信手拈来、精彩绝伦的解像力，是其他乐手所难以项背的，就连约翰．柯川也做不到。」
一九五九年罗尼斯首度退出乐坛，常常独自在纽约Williamsburg桥下练习。两年后他正式復出於RCA Victor厂牌，此时的爵士乐正处在百家齐鸣阶段，因此他音乐也有著浓厚的实验意味，奠定后来成為大师地位的重要阶段。
[[i] 本帖最后由 天下一家 于 2008-7-18 18:56 编辑 [/i]] [attach]18045[/attach]
[color=DarkRed][b]Modern Jazz Quartet[/b][/color]
MODERN JAZZ QUARTET 现代爵士四重奏是钢琴，贝斯，鼓和铁琴四个乐手合奏的乐团。以铁琴做为主奏乐器最有名的乐团只此一家别无分号。铁琴手米尔特．杰克森和钢琴手约翰．路易士的合奏旋律是五０年代闪亮的珍珠，精雕细琢，晶莹剔透。因为钢琴手约翰．路易士有很好的古典音乐的素养，他应用古典音乐的理论来创造爵士乐，使得「现代爵士四重奏」的音乐，在五０年代被称为编曲最精致，结构最严谨的爵士乐，因此你会在钢琴和铁琴的合奏中听到古典音乐的和弦行进，甚至对位法。米尔特．杰克森擅长演奏蓝调，他的铁琴演奏有时像小珠大珠落玉盘，珠珠闪亮，有时如水银泄地，乐思无限。他和约翰．路易士的合作，使「现代爵士四重奏」成为五０年代，黑人音乐和古典音乐结合最成功的典范，这是他们对爵士乐最大的贡献。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家收取租客本月房租堡币11元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Weather Report[/b][/color]
气象报告乐团(Weather Report)1970年代最具影响力的融合爵士乐团之一，与John Mclaughlin领军的Mahavishnu Orchestra、Chick Corea带领的Return To Forever堪称融合爵士三大乐团，也是寿命最长、艺术成就最高的爵士乐团。气象报告成立於1970年，乐团中两位灵魂人物Wayne Shorter和Joe Zawinul原是迈尔斯戴维士(Miles Davis)阵中的大将，与Miroslav Vitous、Dom um Romao等人合作创立WR，和后来加入的Peter Erskine、Jaco Pastorius等乐手致力拓展爵士乐范畴，举凡摇滚、放克、拉丁音乐等各乐种他们皆尝试融入爵士即兴演奏中，企图在乐手的对话与编曲中创造出崭新的音乐型态。
一九七六年，备受注目的天才型乐手杰可．帕斯瑞斯(Jaco Pastorius)加入，更将气象报告乐团推向另外一个高峰，在艺术与商业上皆获得巨大的成功，专辑连年赢得Down Beat年度「最佳专辑」的荣耀，也获得葛莱美奖「最佳融合爵士演奏」奖项，直到1986年解散前，气象报告在乐坛一直扮演举足轻重的角色。 [attach]18047[/attach]
[color=DarkRed][b]Ornette Coleman [/b][/color]
Ornette Coleman出生：1930/03/09 德州 Fort Worth,是六七十年代爵士乐界最具影响力的人物，许多人认为其在爵士史上的地位可以与Charlie Parker和John Coltrane相提并论。尽管他也玩小号、小提琴、但Coleman主要还是位中音萨克斯演奏家。他1958-1959时期的演奏音色还比较柔和纯净，后来逐渐变得鲜明锋利起来。
Coleman是最具原创性和多产的作曲家之一，其二十多张专辑中的每一首曲子都亲自操刀。他在旋律构想上有着异常的天赋，就像Thelonious Monk一般，曲调尽管简单、节奏与和声效果怪异，但十分吸引人。 Coleman的即兴演奏不是建立在预设的和声行进基础上的，对他来讲，旋律是第一位的，和声是次要的。
Coleman的《Free Jazz》专辑虽不是他最出色的专辑，但毫无疑问是最有影响力的作品之一，其历史地位堪与Miles Davis的《Kind of Blue》专辑并驾齐驱。1964年在纽约的录音棚里，Coleman集合了八位爵士乐手将其分成两组：他自己、Don Cherry、Scott La Faro和Billy Higgins一组；Eric Dolphy、Freddie Hubbard、Charlie Haden和Ed Blackwell为另一组。在没有排练的情况下，八位乐手完全即兴演奏，事先不知道主题旋律、和声行进、曲式结构。唯一可以依靠的，只有乐手之间相互的聆听，其实乐手基本也只能凭直觉按自己的风格方式去演奏，鼓、贝司、萨克斯、小号等乐器各自即兴，构成了复杂的相互交织的旋律，听惯了传统爵士的听众，可能会认为这根本就是种噪音。但是当你试着努力去抓住每一条旋律时，会发现卷入一个令你头脑分裂的巨大漩涡，你永远只能抓住某几样乐器的演奏片断，无法完整地在头脑记忆和重复音乐，这是绝对是种新的聆听经验。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家在皇后街摔了一跤, 身上不见了威望2.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Mahavishnu Orchestra[/b][/color]
由约翰．麦可劳夫林所领军的慈悲管弦乐团一直被认為是融合爵士与摇滚的代表团体。成立於1970年，由当时已与迈尔士．戴维斯合作过电子爵士专辑【即兴酝酿Bitches Brew】的约翰．麦可劳夫林所成立，当时的成员有键盘手 Jan Hammer、 小提琴手Jerry Goodman, 贝斯手 Rick Laird以及鼓手Billy Cobham。而这个时期的悲管弦乐团推出两张最著名的专辑，包含【Inner Mounting Flame】、以及【火之鸟Birds of Fire】。这时期的慈悲管弦乐团演奏风格以惊人复杂的即兴著称。
由於突然其来的名声以及压力，令团员们耗尽体力以及彼此之间缺乏沟通，导致乐团在1973年解散，直至1974年才又重新成团，团员当然也略有调整，约翰．麦可劳夫依旧是灵魂人物，其他则有小提琴手 Jean-Luc Ponty,键盘手 Gayle Moran ,贝斯手 Ralphe Armstrong on bass,以及打击乐手 Narada Michael Walden on percussion。
慈悲管弦乐团的音乐结合了自从吉米．罕醉克斯(Jimi Hendrix)以降的电子摇滚以及约翰．麦可劳夫个人所醉心的印度音乐以及放克音乐等。而即兴的手法又根值於爵士音乐。他们早期的风格全然是乐器演出，后期则有时加入R& B以及福音歌曲风格。 [table=100%,#FFFFE6][tr][td][size=9pt][发帖际遇]: [url=http://www.yybyy.com/event.php]天下一家收取租客本月房租堡币32元.[/url][/font][/td][/tr][/table]
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[color=DarkRed][b]Max Roach[/b][/color]
Max Roach是咆勃爵士乐中最具代表性的鼓手之一，同时也是一位黑人文化自觉运动的中坚份子，1960年发行的「Freedom Now Suite」正是一张政治意味浓厚的作品。在音乐上Max Roach一如其政治上的主张，从不妥协的态度与良好的适应能力，使他在乐史上占有重要一席之地并继承了Kenny Clarke的位置，除此之外他更进一步改变了鼓在咆勃爵士乐中的角色。Roach舍弃了把贝斯鼓放在重音的使用方法，大量地使用锌钹增加了鼓的即兴功能，50年代之后Roach甚至引申一套「打击作曲」的理论。即使Max Roach的演奏风格不曾离开咆勃爵士太远，但这并不表示他是一个墨守成规、划地自限的乐手，自由爵士、前卫爵士、福音、Hip Hop Jazz都是他涉及过的范围，这些都证明了Max Roach是一位道道地地的音乐探险家。 [attach]18050[/attach]
[color=DarkRed][b]Oscar Peterson[/b][/color]
1925年生於加拿大Montreal，六岁开始学钢琴，十四岁时就已担任当地电台节目的音乐班底，1949年他在美国卡内基音乐厅的初次登场，获得美国爵士乐爱好者的热烈迴响，也开始了他的录音生涯。
他早期的钢琴作品受Nat King Cloe的啟发，后来则受现代爵士乐钢琴风格的影响，基本上他并不限於任一种演奏风格，在体裁方面，凡民谣，蓝调，放克或Bebop等等，他一律接纳，无论任何情形下，他所创造出的音符，总是生动和富变化，就像他擅长的和声变化，极具剌激性，非常的摇摆。他所有作品本质，始终依附在轻鬆且节拍灵活自由的摇摆乐上，虽然有时常充斥着反复的乐节，或一再地弹着同一音符，却使得曲子更具节奏的张力，由旋律的观点而言，有时虽有点散乱，却无损音乐的完整性，流畅性，反而塑造出他的特殊风格，爵士乐界的钢琴手，表少有人能像他将现与传统爵士乐，作极精湛的结合，他可说是爵士乐界最佳的伴奏者之一。 当代杰出的爵士人多曾经与他合作过，从Louis Armstrong, Ella Fitzgrald, Billie Holiday, 他早期与Ray Brown贝斯手组了二重奏，后来以Nat King Cole的规制，加入了吉他手形成着名的三重奏，1970年后，他的演奏规制，不固定二重奏或三重奏或独奏，他的合作对象也不固定，唯一不变的是他仍持续地灌录唱片，他仍活力十足地为爵士乐留下不析的资产，同时他也是爵士乐界灌录唱片最多的乐师之一。数十年来他在爵士钢琴领域中的地位始终屹立不摇，他的风格Swing也一直坚持着，不在乎Fusion, Free Jazz木的新潮流，他并不落伍，但没有人能够说他的风格是不合时宜的，他的多变的风格，无疑是整个爵士钢琴史的综合体，他在1984年被Down Beat杂誌列为爵士名人堂的唯一得主，同时从1950到现在，也婺度被读者选为最佳钢琴手。 与他合奏的对象除了二重奏，三重奏时期的固定班底外，也加进铜管乐器和小疌琴等等乐手，他的音乐时而高潮迭起，时而流畅自然，在在显示他技巧的成熟度以及乐手间的默契十足。 他的音乐，可以说是一个自由的极致表现，听到他的音符，会令你感受到轻快却有秩序，你听到快速的音符却排列整齐地在他指下，你大可以轻鬆的心情，仔细耹听他音符的变化，你会发现听似杂乱无章的音乐其中居然是一篇自由即兴的弦律，要是你不懂Swing，由他的音乐就可以轻易入门，从他身上可以看出创作的精神及即兴演奏的美妙。就让他带给你最舒服，最无压力的一种感受吧。
他的钢琴作品并不限于任一种演奏风格，在体裁方面，对民谣，蓝调，放克或Bebop等等一律接纳；他所有的作品本质，始终依附在轻松且节拍灵活自由的摇摆乐上，虽然有时常充斥着反复的乐节，或一再地弹着同一音符，却使得曲子更具节奏的张力，由旋律的观点而言，略有些散乱却无损音乐的完整性与流畅性的特点，反而塑造出他的特殊风格，他可以说是爵士乐界最佳的伴奏者之一
爵士乐界三大吉他手
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[color=DarkRed][b]Paco de Lucia[/b][/color]
当今世纪公认最出色的佛拉门哥结他大师Paco de Lucia在compas的创造力是非常非常出色，他在12岁便赢得全国最佳伴奏结他手；在14岁便开始随Jose Greco舞蹈团出国巡迴演出。直至他21岁时便以一曲 Entres dos aguas（两水之间）而名闻於世。Paco de Lucena学习古典吉他出身，跟著古典吉他大师学习音阶弹奏、琶音等技巧，他对佛朗明哥吉他最大的贡献在创建了所谓的three finger tremolo，这是吉他技法的一种，在弹出一个低音后，接著连续弹出三个高音，听起来像是两把吉他的合奏。
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[color=DarkRed][b]John McLaughlin[/b][/color]
英国籍的约翰．麦可劳夫林(John McLaughlin)无疑是音乐史上最重要的吉他手之一，再过往四十年间他跨越了摇滚与爵士两大音乐范畴，他的演奏融合了爵士乐的即兴、古典乐的和声结构、印度音乐的韵律和摇滚乐的狂热力道，演奏手法与音乐概念前卫性皆属指标型人物，更曾有乐评将他视為一九七○年吉米．罕吉克斯(Jimi Hendrix)逝世后的接班人。
一九六○年代约翰．麦可劳夫林开始发展个人音乐生涯，除与英国眾多摇滚乐团和艺人合作外，一九六八年发表个人第一张、也是石破天惊的演奏专辑【Extrapolation】后到美国与Tony Williams的乐团Lifetime合作，没多久就被迈尔士．戴维斯(Miles Davis)相中邀请他一起灌录了重要的融合乐专辑【即兴精酿 Bitch Brew】与【沉默之道In A Silent Way】。一九七○年代约翰积极在爵士乐坛中发展，组成了融合乐乐团—慈悲管弦乐团(Mahavishnu Orchestra)；一九七五年他更捨弃了高分贝的电吉他转而演奏原音吉他，并将创作焦点转往世界音乐而组成Shakti乐团。一九八○年代和Al DiMeola、Paco De Lucia两位重要的吉他手合作，以特殊的三把原音吉他编制推出结合爵士与佛朗明哥音乐推出叫好叫座的【Friday Night in San Francesco】。四十多年来约翰．麦可劳夫始终多方尝试创作不懈。意夸示高难度的演奏技巧，反而把重心放在编曲与乐风的创意与新鲜感上，并适时调度每位乐手的个人表现与乐曲的结构和整体性，摆脱爵士乐给予一般人「低俗、难登大雅之堂」的刻板印象。更了不起的是，他能够一再引领风潮、创造销售佳绩，让他的爵士舞曲被许多人听到和跟著跳舞，而在这方面，他可以说是最在行的，也正因為这些流行风潮的推波助澜，才让他的音乐广為人听到，并被接受為美国正统的爵士音乐之声。
[attach]18064[/attach]
[color=DarkRed][b]Al Di Meola[/b][/color]
义大利裔的Al Di Meola，在Berklee音乐学院就读时因爵士钢琴家Chick Corea的赏识，而加入其融合爵士乐团Return To Forever，成为70年代融合爵士乐的要角之一。而当Return To Forever於80年解散之后，他逐渐回归使用木吉他演奏，并与融合爵士吉他大师John McLaughlin、佛朗明哥吉他好手Paco De Lucia等人一同巡迴演出。三人所录製的Friday Night in San Francisco(1982)与Passion, Grace & Fire(1983)更成为爵士吉他的重要名盘。
自85年起他组成了自己的乐团The Al Di Meola Project，并不断地在各种音乐风格以及电吉他、木吉他之间来回游走，试图打破一般乐迷对他的"速弹吉他手"的印象。他也吸收许多拉丁美州及其他世界音乐的元素，融入他的演奏当中: 如1985年的Cielo E Terra，便带有浓厚的神秘意味。其重要作品还包括了World Sinfonia(1991)、Heart of the Immigrants(1993)及Orange and Blue(1994)等。又如1996年的Plays Piazzolla，则是他对阿根廷探戈音乐大师Astor Piazzolla的致敬专辑。在2000年的新专辑The Grande Passion中，他更与多伦多管絃乐团合作，展现他深厚的古典基础与作曲功力。